ARTE

Más reciente

La disputa del Sacramento de Rafael Sanzio

5 Estancia del Sello (La Disputa del Sacramento).jpg
                       5 Estancia del Sello (La Disputa del Sacramento)
La disputa del Sacramento es una pintura del artista Rafael Sanzio (1483-1520). Fue pintada en 1509, siendo el primero de los frescos con los que decoró las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. La Sala de la Signatura (Stanza della Segnatura) fue la primera en ser decorada, y La disputa del Sacramento la primera pintura en ser finalizada.
La anchura en la base del fresco es de 770 cm. Representa la Teología, a través de una escena sobre la Gloria de la Eucaristía.
Es el pintor Giorgio Vasari el que da este nombre a la obra, un poco impropiamente, dado que parece aludir a un conflicto teológico, es decir, un intenso debate, que podría darse en el registro inferior, pero en cambio el registro superior funciona más como una glorificación de la Iglesia celestial triunfante. El título de la obra bien habría podido ser El triunfo de la Iglesia. El término “disputa”, en el italiano de la época, se entendía como “discusión”: no tiene por ello significado de divergencia y enfrentamiento entre las personas que discuten.

El fresco pretende representar en pintura lo que se podría llamar la Verdad teológica, frente a la Verdad filosófica que personifica el fresco de la Escuela de Atenas que queda enfrente. En la tradición cristiana esta verdad teológica se personifica en la eucaristía, gesto de acción de gracias que Jesucristo lega a sus discípulos en su memoria, poco tiempo antes de su pasión. Por lo tanto, todo el servicio de la Iglesia de Cristo sobre tierra gira en torno a este acto supremo, como medio de redención y también de relación con un ser divino que incluye a la Trinidad, a las potencias celestiales y a los santos en todas las épocas. Es pues esta realidad teológica compleja la que Rafaelpretende representar en este fresco que debe ser, dado que se destina a la oficina y a la biblioteca del papa Julio II, un apoyo a la contemplación del misterio de la Iglesia sobre tierra y en los cielos.
               

Arquitectura y paisaje en segundo plano

               

El arquitecto Bramante, con un libro, y Francesco Maria Della Rovere (de pie en primer plano).

Ángel (a la derecha, por encima del trono de la Santísima Trinidad).

San Esteban (a la derecha junto al trono de la Santísima Trinidad).

Santo Tomás de Aquino, el papa Inocencio IIIsan Buenaventura (a la derecha, junto al altar).

Papa y santo en conversación

Secretario de san Agustín (a la derecha, junto al altar).

Dante Alighieri

                                                              
Anuncios

El jardín de las delicias Hieronymus Bosch

  1. The Garden of Earthly Delights by Bosch High Resolution.jpg
                                         The Garden of Earthly Delights by Bosch

     
    El jardín de las delicias es una de las obras más conocidas del pintor holandés Hieronymus Bosch (El Bosco). Se trata de un tríptico pintado al óleo sobre tabla de 220 x 389 cm, compuesto de una tabla central de 220 x 195 cm y dos laterales de 220 x 97 cada una (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre aquella.

    El tríptico cerrado: La Creación del mundo, óleo sobre tabla, 220 x 195 cm.

    Obra de contenido simbólico, sobre el que se han ofrecido variadas interpretaciones, como El carro de heno o la Mesa de los pecados capitales, obras todas ellas adquiridas por el rey Felipe II de España, gran admirador del pintor, y guardadas durante algún tiempo en el Monasterio de El Escorial, obedece a una intención moralizante y satírica que iba a hacer fortuna ya en su época como demuestra la temprana aparición de copistas e imitadores.

    Panel izquierdo.

    Considerada como una de las obras más fascinantes, misteriosas y atrayentes de la historia del arte, el cuadro forma parte de los fondos de exposición permanente del Museo del Prado de Madrid, donde ingresó como depósito del Patrimonio Nacional en 1939.

    Panel central.

    Como el resto de las obras de El Bosco, carece de datación unánime entre los especialistas, siendo una de aquellas en la que más enfrentadas están las posiciones, pues mientras unos la consideran juvenil, otros dicen que es obra de madurez. Baldass y otros la sitúan en la época juvenil de El Bosco (1485).2 Cinotti la sitúa en torno al año 1503. Otras fuentes hablan de hacia 1510.3 Tolnay y Larsen la sitúan al final de la actividad del Bosco (15141515). Los análisis dendrocronológicos del roble de las tablas lo datan entre1460 y 1466, dando así un terminus post quem para la realización de la obra.4 En el catálogo de la exposición sobre el artista celebrada en Róterdam en el año 2001 se señala la fecha entre 1480 y 1490.2 En la Guía de visita editada por el Museo del Prado se señalan las fechas 15001505.

    Panel derecho.

    A partir de Gibson y hasta la actualidad (Hans Belting, 2002) se ha conjeturado que se realizó para Enrique III de Nassau.2 Los primeros poseedores de la obra fueron, pues, los miembros de la casa de Nassau, en cuyo palacio de Bruselas pudo ver el cuadro el primer biógrafo de El Bosco, Antonio de Beatis, personaje que viajaba en el séquito del cardenal Luis de Aragón, en el año 1517. Su descripción no deja lugar a dudas de que se encuentra frente al famoso tríptico: «Después hay algunas tablas con diversasbizarrías, donde se imitan mares, cielos, bosques y campos y muchas otras cosas, unos que salen de una concha marina, otros que defecan grullas, hombres y mujeres, blancos y negros en actos y maneras diferentes, pájaros, animales de todas clases y realizados con mucho naturalismo, cosas tan placenteras y fantásticas que en modo alguno se podrían describir a aquellos que no las hayan visto».[cita requerida]

    Detalle del Jardín del Edén, Dios y Eva.

    Fue heredado por su hijo René de Châlon y después por el sobrino de Enrique, Guillermo de Orange, líder de la rebelión holandesa contra la corona de los Habsburgo. Fue confiscado durante la guerra de Flandes por el duque de Alba, incluyéndose en el inventario redactado con tal motivo el 20 de enero de 1568. El duque dejó los cuadros a don Fernando, su hijo natural y prior de la orden de San Juan.2
    Felipe II adquirió el tríptico en la almoneda de los bienes de don Fernando y se envió al monasterio de El Escorial el 8 de julio de 1593.2 Es la pintura más famosa de la colección de nueve de Hieronymus Bosch que Felipe II reunió en El Escorial.5

    Roca antropomorfa.

    Como sucede con todas las pinturas antiguas, el título con el que se la conoce es moderno. El inventario de la entrega a El Escorial de 1593 la describe como «Una pintura en tabla al olio, con dos puertas, de la bariedad (sic) del mundo, cifrada con diversos disparates de Hierónimo Bosco, que llaman Del Madroño».6 Fray José de Sigüenza en su historia de la Fundación del Monasterio de El Escorial, ofreció una amplia descripción e interpretación de «La otra tabla de la gloria vana y breve gusto de la fresa o madroño, y su olorcillo, que apenas se siente, cuando ya es pasado, es la cosa más ingeniosa y de mayor artificio que se pueda imaginar».7 Posteriormente se cita en el inventario de 1700 como una pintura «de la creación del mundo». Vicente Poleró, que en 1857 publicó un Catálogo de los cuadros del Real Monasterio de San Lorenzo llamado del Escorial, lo llama De los deleites carnales. De ahí arranca su actual denominación como Jardín de las delicias o De las delicias terrenales. Fue trasladado al Museo del Prado en 1939 para su restauración, pues ya Antonio Ponz decía en 1777 que se encontraba bastante maltratada, y desde entonces no ha vuelto al monasterio.8

    Detalle.

    El cuadro cerrado en su parte exterior alude al tercer día de la creación del mundo. Se representa un globo terráqueo, con la Tierra dentro de una esfera transparente, símbolo, según Tolnay, de la fragilidad del universo. Solo hay formas vegetales y minerales, no hay animales ni personas. Está pintado en tonos grises, blanco y negro, lo que se corresponde a un mundo sin el Sol ni la Luna aunque también es una forma de conseguir un dramático contraste con el colorido interior, entre un mundo antes del hombre y otro poblado por infinidad de seres (Belting).2

    Eva escondida en una cueva y señalada por Juan el Bautista como culpable.

    Tradicionalmente, la imagen que muestra el tríptico cerrado se ha interpretado como el tercer día de la creación. El número tres era considerado un número completo, perfecto, ya que en sí mismo encierra el principio y el fin. Y aquí al cerrarse, se transforma, en el número uno, en el círculo: de nuevo nos permite vislumbrar la perfección absoluta y, quizá, a la trinidad divina. En la esquina superior izquierda, aparece una pequeña imagen de Dios, con una tiara y la Biblia sobre las rodillas. En la parte superior se puede leer la frase, extraída del salmo 33, IPSE DIXIT ET FACTA S(U)NT / IPSE MAN(N)DAVIT ET CREATA S(U)NT, que significa «Él lo dijo, y todo fue hecho. Él lo mandó, y todo fue creado». Otros interpretan que pudiera representar la Tierra tras el Diluvio Universal.

                                                                 Infierno musical.

    Al abrirse, el tríptico presenta, en el panel izquierdo, una imagen del paraíso donde se representa el último día de la creación, con Eva y Adán, y en el panel central se representa la locura desatada: la lujuria. En esta tabla central aparece el acto sexual y es donde se descubren todo tipo de placeres carnales, que son la prueba de que el hombre había perdido la gracia. Por último tenemos la tabla de la derecha donde se representa la condena en el infierno; en ella el pintor nos muestra un escenario apoteósico y cruel en el que el ser humano es condenado por su pecado.


    Detalle

    La estructura de la obra, en sí, también cuenta con un encuadre simbólico: al abrirse, realmente se cierra simbólicamente, porque en su contenido está el principio y el fin humano. El principio en la primera tabla, que representa el Génesis y el Paraíso, y el fin en la tercera, que representa el Infierno.
                                                                             Detalle
                                 
                                                                           Detalle el infierno
                                  
                                                                               Detalle

    Una de las escenas más enigmáticas y sugerentes de la obra, aparece en la parte inferior: el infierno musical. En éste, instrumentos musicales gigantescos


    el niño se suicidó arrojándose al agua, en brazos de su abuela. El resto de sus guerreros samurais lo acompañaron en el descenso a la muerte.

    Una de las escenas más enigmáticas y sugerentes de la obra, aparece en la parte inferior: el infierno musical. En éste, instrumentos musicales gigantescos
    Detalle de parte de la obra “El jardín de las delicias”, del artista neerladés “El Bosco”.
                                                                                    Detalle
                                                                               adán y eva
       
                                                                           detalle
                                                            Detalle del Jardín de la Delicias
    ... actividad investigadora. El Jardín de las Delicias de “El Bosco
                                                                                detalle
                                                        

Cubismo y creación de éste

                                            

Cubismo y creación de éste Encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. El cubismo es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

carminecitro:

Picasso, Jacqueline con fiori, 1954

                                   Picasso, Jacqueline con fiori, 1954
 

Por 1906, Picasso ha conseguido una posición destacada con su arte. Era el mejor pintor de su círculo de amigos y su reputación seguía creciendo. Durante el año 1906, empezó trabajar en una pintura muy diferente de sus otras pinturas. La pintura se llama Las señoritas de Avignon y constituye una ruptura en la historia del arte.

Las señoritas de Avignon, 1906-1907Para Las señoritas de Avignon Picasso hizo más de treinta esbozos. Fue la pintura más grande que hizo. Guando terminó esta pintura, la reacción fue de incredulidad. Nadie loa la pintura. Mucho tiempo pasó antes de fuera apreciada. En esta pintura, Picasso distorsionó las figuras de las mujeres. Cambió los rasgos de la cara y muestra el frente y el revés al mismo tiempo.

Picasso cambió la noción que es necesario tener orden y propiedad en las representaciones humanas. Destruyó la perspectiva. No hay profundidad en sus figuras. La noción de espacio reemplazó el ambiente. El sujeto de la pintura son las formas geométricas. En lugar de la perspectiva aparece una visión del objeto que lo reproduce desde varios ángulos al mismo tiempo. Es una nueva percepción de la realidad, un nuevo método de inventar la verdad lo que hace posible la ruptura de la norma.

Mientras Picasso hacía sus primeras pinturas cubistas, Braque–otro pintor del tiempo–trabajó en su propia versión del cubismo. Las formas en las pinturas de Braque parecen cubos, entonces el nombre “cubismo” empezó. Además de las pinturas de personajes, también Picasso pintó el paisaje en el estilo cubista. Los cuadros siguientes se llaman Paisaje con un puente (1909) y Casas en el cerro (1909).

Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.


Busto de  mujer (Fernande), 1909


Tres mujeres, 1908


Fábrica en Tortosa, 1909


Fruta y vaso, 1908


Casa en un jardín, 1908


Saltimbanque y su familia, 1908


Mujer con peras, 1909


Sin título, 1908-1909

Naturaleza muerta (Los pájaros muertos)
Óleo sobre tela 1912

“Instrumentos de musica sobre una mesa”

Óleo sobre lienzo

1925

“Busto y paleta”

Óleo sobre lienzo

1925

“Guernica”

Óleo sobre lienzo
1937

“Mujer sentada en un sillón gris”

Óleo sobre lienzo

1939

“Las meninas”
Óleo sobre lienzo

1957

“El pintor y la modelo”

Óleo sobre lienzo

1963

“Desnudo, hojas verdes y busto”

Óleo sobre lienzo

1932

La paloma de la paz

Dibujo sobre cartel

1949

“El sueño”
Óleo sobre lienzo

1932

“Mujer con sombrero y cuello de piel”

1937

Georges Braque

Pintor francés. Hijo de un pintor de brocha gorda, oficio que siguió en un principio, Braque estudió a partir de 1900 en la Escuela de Bellas Artes de París y hacia 1906 se adhirió al fauvismo, bajo la influencia de su amigo Othon Friezs, con obras como El embarcadero del puerto de l’Estaque. En 1907, una exposición de Cézanne y el encuentro con Picasso pusieron a Braque en la senda del cubismo, tendencia de la que es cofundador.

plasmó con frecuencia la figura humana, Braque prefirió, a lo largo de toda su trayectoria artística, la naturaleza muerta, en la que introdujo novedades significativas, como el empleo del collage o la incorporación de letras y números. En sus bodegones cubistas juega con el espectador, invitándole a reconstruir los objetos a partir de las diversas perspectivas que de ellos introduce en sus obras.

“Gran bañista”
1907-1908

“Bodegones y flores”

Óleo sobre tela

1934

“El puerto de L´Estanque”

Óleo sobre tela

1906

“El puerto de Amberes”
Óleo sobre tela
1906

“El viaducto de L´Estanque
Óleo sobre tela
1907

“Paisaje de L´Estanque”
Óleo sobre tela
1906

“Desnudo sentado visto dees paldas”
Óleo sobre tela
1907

“Black fisf”
Óleo sobre tela
1942

Juan Gris

Juan Gris(José Victoriano González; Madrid, 1887-Boulogne-sur-Seine, Francia, 1927) Pintor español. Fue el máximo representante del cubismo sintético. Cursó estudios en la Universidad de Madrid, pero pronto se consagró a la pintura. Sus composiciones están dotadas de gran armonía gracias a una rigurosa metodología en la estructuración de las formas. Se desvinculó de la estética cubista de Braque y de Picasso, coloreando y sombreando objetos puntuales, con lo cual consiguió un ritmo visual elegante y personal

“La ventana abierta”
Óleo sobre lienzo
1921

“Tres lámparas”
Acuarela sobre papel

“Violin y guitarra”
Óleo sobre lienzo

“Retrato de Josette”
Óleo sobre lienzo

“Naturaleza muerta delante del armario”
Óleo sobre lienzo

“Guitarra ante el mar”
Óleo sobre lienzo

“El sifón”
Óleo sobre lienzo


“Retrato de Picasso”
Óleo sobre lienzo
Jean Metzinger

(Nantes, 1883-París, 1956) Pintor francés. Tras sus experiencias neoimpresionistas y fauvistas, se aproximó al cubismo y participó en las reuniones de la Sección de Oro, en Puteaux, en el taller de J. Villon. Publicó, en colaboración con Gleizes, Sobre el cubismo(1912). Su obra se divide en dos etapas: una cubista y otra realista.


“Landscape”
Óleo sobre lienzo
1904


Le Village
Óleo sobre lienzo
1918


“Naturaleza muerta”
Óleo sobre lienzo
1919

“Dancer in a cafe” (Danseuse su Café)
1912


“Sailtboats”
Óleo sobre tela
1912
Albert Gleizes

(París, 1881-Saint-Rémy-de-Provence, 1953) Pintor francés. Se incorporó, en 1910, al movimiento cubista, sobre el que escribió la obra Sobre el cubismo y los medios para comprenderlo (1912). En su pintura llegó de manera progresiva a sacrificar la forma a las exigencias de la composición y del ritmo (Proyecto de pintura mural para la estación de Moscú, 1920); con posterioridad, adoptó principios no figurativos.


Dia de mercado en las afueras
Óleo sobre lienzo
1905

Hombre en una hamaca
Óleo sobre lienzo
1913

Mujer con flores
Óleo sobre lienzo
1910



Antecedentes e Historia del Cubismo

La capital del mundo, por lo que se refiere al arte, había sido Roma desde el Renacimiento. Por diferentes motivos, entre ellos el de su respeto a una tradición, cambia de lugar y se traslada a París. Indudablemente los motivos de esta migración son múltiples y difíciles de fijar, pero uno de ellos es, sin duda, la inquietud plástica desencadenada por el impresionismo y las diferentes reacciones y actitudes ante el mismo. El hecho es que entorno a 1900 residen en París, o hacen frecuentes visitas a la ciudad, artistas de todos los países. El Modernismo, bajo diferentes denominaciones (Art nouveu en Francia y Bélgica, Jugendstil, en Alemania, Moder Style en Inglaterra, Sezession en Austria y modernisme en Cataluña; en el resto de España apenas tuvo una esporádica realización) impera a en cuanto a ornamentación y decoración en toda Europa, pero es indudablemente en París en donde tiene su máxima manifestación, que se observan en los trazos de Toulouse-Lautrec y en las telas de Matisse. Por este camino se iniciaran en el arte otros muchos artistas nacionales y extranjeros, entre ellos al que pocos años después se convertirá en jefe indudable de fila y una de las primeras figuras mundiales del arte, Pablo Picasso.

Después de la innovación del “fauvismo” llegamos, en 1907, a la primera experiencia que marca el nacimiento del “cubismo”. El cubismo más que un estilo es una tendencia, una actitud ante el problema del arte. Actitud radical en sí por las consecuencias ineluctables que comportará, pero también evolución si se quiere precipitada, de la problemática planteada hasta ahora por el arte nacido al socaire del impresionismo. Los principales militantes del cubismo surgen de las filas del fauvismo y de las de los precursores del expresionismo. Dos nombres se barajaran en cuanto a la determinación precisa y expresa de su paternidad: Picasso y Braque.

Las retrospectivas de dos de los principales representantes de la vanguardia del siglo XX, Paul Gauguin y Paul Cézanne, realizadas en 1906 y 1907 respectivamente, ofrecieron a la investigación artistica nuevas fuentes de estímulo e inspiración, especialmente la moda primitivista que, bastante difundida entre los grupos artisticos de vanguardia impulsó a pintores como Henri Matisse y Pablo Picasso a estudiar las condiciones etnográficas de los museos de París, e incluso a reunir ellos mismos colecciones de máscaras y otros objetos primitivos de Africa o de las islas del Pacifico.

Entre sus influencias podríamos mencionar al arte tribal: máscaras, estatuillas, y escudos, producto del intercambio cultural con las colonias y un mundo aún virgen, y que exaltaba la imaginación y daba por tierra con todo lo establecido hasta el momento.

                                                                                             

En esta atmósfera estimulante y creativa fue donde Picasso realizó la que generalmente se define como la primera pintura cubista, “Demoiselles d´Avignon” (“Las Señoritas de Avignon”, 1907).

“Demoiselles d´Avignon”

Pablo Picasso

Por otra parte el cubismo parecía a simple vista, más bien la culminación natural de la actitud crítica de Cézanne ante el impresionismo, y por consiguiente la última consecuencia del arte racional del Renacimiento, que una actitud revolucionaria disuelta a cambiar un orden de cosas establecido, aunque esto último fuera el resultado natural de aquella.

Helecho indiscutible es que en el cuadro de Picasso de 1907 ya referido hay un tratamiento geométrico del tema. Entre este año y 1909 se gesta el cubismo; primero a través de interminables discusiones y experiencias entre si es la emoción lírica (fauvismo) o la construcción del cuadro (Cézanne) lo que debe prevalecer en la pintura.

En 1908 viven en una vieja casa de Montmartre llamada Bateau-Lavoir, o frecuentan los talleres de los artistas allí establecidos: Pablo Ruiz Picasso (1881) español, Max Jacob (1876-1944) ruso, Marie Laurencin (1885-1956), Georges Braque (1882-1968) franceses, Guillaume Apollinaire (1880-1918) poeta, rumano naturalizado fránces, Gertrude y Leo Stein, americanas, y el tambiénj español Juan Gris (1887-1927). Poco a poco llegan Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941), Albert Gleizes (1881-1953), August Herbin (1882-1960), Henri Le Fauconnier (1881-1946), André Lothe (1885), Jean Metzinger (1883-1956), Francis Picabia (1878-1953), todos ellos pintores y el escultor ruso Alexander Archipenko(1887). Es de esta colmena que saldrá el cubismo.

En 1908 Braque pinta una tela titulada “Casas en el Estanque”, en donde el tratamiento cubista del tema es bien claro.

Entre 1908 y 1914 Picasso y Braque trabajaron en estrecha colaboración, realizando naturalezas muertas y retratos en los que, poco a poco, se fueron definiendo las características distintivas del cubismo, Modificando de raíz la relación que tradicionalmente existía entre el mundo tridimensionalidad de la realidad y su representación sobre la superficie de la tela, el Cubismo rechaza la ilusión del espacio como elemento necesario de la imaginación pictórica. Sin embargo Picasso y Braque no quisieron explicar al público el significado profundo de su invención.

Racionalmente frío, resultado de una actitud elitista y en el fondo reaccionaria, la pintura cubista se dirigio de forma deliberada a un público de iniciados o con una cierta preparación suficiente para comprender las intenciones implícitas en la pintura de Picasso y Braque.

El método para representar el volumen y el espacio utilizado por Cézanne, consistente en simplificar las formas naturales en un mosaico de colores en el que el espacio queda como solidificado, constituye la base de las primeras investigaciones cubistas de Braque y Picasso sobre las representación de las formas tridimensionales dentro de la superficie plana de la tela. A diferencia de los fauces, Braque y Picasso evitan los contrastes demasiado violentos de color, desarrollando imágenes casi monocromas. Esta primara etapa del cubismo se encuentra bajo la influencia de Cézanne y comprende el lapso entre 1907 y 1909.

Hacia 1910, las representaciones hechas por Picasso y Braque se habían segmentado en una serie de fragmentos que prescinden completamente de la tridimencionalidad del motivo, representado ahora como si estuviera paralelo al plano de la imagen. En esta segunda fase del cubismo (denominada Cubismo Analítico por el pintor español Juan Gris) la imagen ya no es representación, expresión o símbolo de la naturaleza muerta o de la persona, sino un tema válido por si mismo.

Al llegar al umbral de la abstracción en 1913, Picasso y Braque se retracta, consientes de que el cubismo analítico representaba ciertos inconvenientes; uno de los principales era la pérdida de la homogeneidad y de la densidad del objeto, de ahí el riesgo de afectar a la identidad del mismo. Para resolver esta problemática, Picasso y Braque subrayaron la relación entre la imagen y el mundo mediante la inclusión en sus obras de sobres estampados y, más adelante, con objetos reales como páginas de periódico, partituras musicales, hojas de papel pintado e incluso galletas; las obras de este tipo ya no se definen como pinturas sino como cuadros-objeto. A esta tercera fase, se le denominó Cubismo Sintético.

Las posiciones asumidas por Picasso y Braque ejercieron una enorme influencia sobre las nuevas generaciones de pintores. El término cubismo fue utilizado por primera vez con referencia a la exposición parisina (1911) de un grupo de artistas que se inspiraron en Picasso y en Braque. Sin embargo ambos iniciadores se mantuvieron siempre apartados, sin participar en ninguna de las muestras cubistas que contribuyeron a divulgar el nuevo estilo en Europa.

En esta tela picasiana, indudablemente compleja, aparece en su parte derecha un tratamiento especial de las mujeres aquí pintadas que evocan irresistiblemente el arte africano que por aquel entonces empezaba a ser mostrado en Europa como otra manifestación de posibilidades expresivas experimentadas por otros pueblos, con lo cual se acababa también la hegemonía formal artística de Europa en el mundo y se reconocía que la estética nacida al socaire del mundo grecolatino no era nada más que un caso particular de expresión artística pero no el único posible.

Caracteristicas del cubismo

· Se preocupa primordial mente por la expresión del movimiento y no tanto del tiempo.

· Pretende representar(al mismo tiempo) todas las formas posibles de ver una figura.

· Procura capturar la cuarta dimensión, que está en la mente humana: la del movimiento, por lo que, el espectador está casi obligado a recorrer con su mirada todo el cuadro para “armar” la figura.
· Descompone las formas y figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas; el objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado.

· Describe una naturaleza muerta por medio de una monocromía definida por claro-obscuros, sombras

· No recurre a las perspectivas.

mujeresartistas:

#MujeresArtistas: María Blanchard - Mujer con abanico, 1916. 

Ensombrecida por las historias ortodoxas de la vanguardia, la figura de María Blanchard ha concentrado aspectos que la han relegado a una posición secundaria y decididamente menor, desde su condición de mujer artista hasta su lejanía de las gramáticas dominantes del cubismo. 

María Blanchard (1881-1932), pionera en la formación de la vanguardia histórica, se distancia de los roles atribuidos a la mujer artista en el arranque de la modernidad. Jorobada, soltera y sin hijos, Blanchard tiene poco que ver con la artista-modelo definida en el impresionismo (Berthe Morisot o Mary Cassatt) o con la artista-pareja que caracterizara al surrealismo (Remedios Varo, introducida por Max Ernst, o Meret Oppenheim, por Alberto Giacometti). A diferencia de otros episodios, María Blanchard no es un símbolo la de mujer moderna ni una pantalla para el deseo masculino que apuntalara los círculos vanguardistas. Su pintura, por el contrario, representa uno de los casos más independientes y comprometidos con una noción de modernidad. Entre 1913-1919 realiza un cubismo cercano al ideal kantiano de la forma autónoma, rivalizando con Juan Gris en la redefinición del lenguaje cubista desde las reglas de la pintura, mientras que, entre 1919-1932, se suma al retorno al orden y a la construcción de una idea clásica del arte, no exenta de relaciones con el nacionalismo político y cultural. En definitiva, una artista que concentra en pocos años gran parte de las cualidades y controversias que rodean a la vanguardia en el primer tercio del siglo XX.

María Blanchard – Mujer con abanico, 1916.

Ensombrecida por las historias ortodoxas de la vanguardia, la figura de María Blanchard ha concentrado aspectos que la han relegado a una posición secundaria y decididamente menor, desde su condición de mujer artista hasta su lejanía de las gramáticas dominantes del cubismo.

                      

María Blanchard (1881-1932), pionera en la formación de la vanguardia histórica, se distancia de los roles atribuidos a la mujer artista en el arranque de la modernidad. Jorobada, soltera y sin hijos, Blanchard tiene poco que ver con la artista-modelo definida en el impresionismo (Berthe Morisot o Mary Cassatt) o con la artista-pareja que caracterizara al surrealismo (Remedios Varo, introducida por Max Ernst, o Meret Oppenheim, por Alberto Giacometti).

          
A diferencia de otros episodios, María Blanchard no es un símbolo la de mujer moderna ni una pantalla para el deseo masculino que apuntalara los círculos vanguardistas. Su pintura, por el contrario, representa uno de los casos más independientes y comprometidos con una noción de modernidad. Entre 1913-1919 realiza un cubismo cercano al ideal kantiano de la forma autónoma, rivalizando con Juan Gris en la redefinición del lenguaje cubista desde las reglas de la pintura, mientras que, entre 1919-1932, se suma al retorno al orden y a la construcción de una idea clásica del arte, no exenta de relaciones con el nacionalismo político y cultural
                                      
 En definitiva, una artista que concentra en pocos años gran parte de las cualidades y controversias que rodean a la vanguardia en el primer tercio del siglo XX.
                                   
                                                       
                                themegaphonostyle:

“Richard Rogers”, 2009 by…
                                                                “Richard Rogers”, 2009 by…

                                                                                

Maximiliano Franz Viktor Zdenko Marie Kurzweil

 
Max Kurzweil.jpg
 
Maximiliano Franz Viktor Zdenko Marie Kurzweil (12 de octubre de 1867, Bisenz – 9 may 1916, Viena ) fue un pintor austríaco y grabador . Se movió cerca de Viena en 1879.
Maximillian o Max Kurzweil estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena con Cristiano Griepenkerl y Leopold Carl Müller , y asistió a la Académie Julian en París desde 1892, donde expuso su primera doler en el Salón en 1894. Fue co-fundador de la Viena Secesión en 1897, [1] y editor e ilustrador de la revista secesionista influyente Ver Sacrum (primavera sagrada). Kurzweil fue también profesor de la Frauenkunstschule . [2] y en 1905, fue galardonado con el premio Villa Romana . Sus últimas obras muestran la influencia de Edvard Munch y Ferdinand Hodler . Como consecuencia de las circunstancias particulares, agravada por su innato sentido de la melancolía, se suicidó en 1916, junto con su alumno y amante, Helene Heger. [3] 
Archivo: Max Kurzweil 1899 Mujer con vestido ONU amarillo.jpg
A pesar de su relativamente corta carrera, Kurzweil pertenece a los representantes más significativos de la vienesa movimiento secesionista después de Gustav Klimt y Egon Schiele .
 
                   
                                                                                        &
 
                                                                                     &
 
                   
                                                                       wikipedia.org

Catherine Chauloux

“Catherine ChaulouxBla blaaaa bla blaa bla blablaa blaa blablaaaa blaa blabla bla bla bla bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla blaaa blablaaaaa bla bla blaa bla blaaabla bla bla blaaa bla bla bla blaaaa bla blaaa bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla bla blabla bla bla… Bref, née en 1957 à Nantes, Catherine Chauloux vit dans la région nantaise. Peintre autodidacte, elle a eu pour maîtres les peintres de la renaissance italienne et flamande. Dans un premier temps, elle se passionne pour l’art fantastique, puis délaisse celui-ci pour s’orienter vers une peinture plus réaliste inspirée de l’orientalisme.Enfin elle revient avec lyrisme aux frontières de l’imaginaire.Depuis plus de 20 ans, elle expose en france et à l’étranger. ”

“Bercée par les Grands Maîtres de la Renaissance Italiens et Flamands, Catherine CHAULOUX s’est construit un monde qui a longtemps été fantastique.
Après avoir parcouru longuement le thème du désert, puis celui de l’orientalisme,
elle est entrée aujourd’hui dans une atmosphère plus légère.
Ses « p’tites nanas » sont travaillées dans une gestuelle assurée.
Aujourd’hui elle excelle dans un style lyrique et intemporel composé de personnages surprenants d’humour, de vivacité et de fraîcheur grâce à une technique précise et raffinée.
Cette artiste née en 1957, est depuis plus de 25 ans primée dans de nombreux salons
et exposée en France et à l’étranger”


                                          Catherine Chauloux


Catherine Chauloux

                                                        Catherine Chauloux                             
                                                                    Catherine Chauloux
                                                                                Catherine Chauloux
                                                                             Catherine Chauloux
                                                                                 Catherine Chauloux
                                                                           Catherine Chauloux
                                                                             Catherine Chauloux
                                                                           Catherine Chauloux
                                                                                                  Catherine Chauloux
                                                                          Catherine Chauloux
                                                                 Catherine Chauloux
                                                              Catherine Chauloux
                                                                Catherine Chauloux
                                                                             Catherine Chauloux
                                                  
                                                                  http://www.catherinechauloux.fr/

Josef Jan Michnia


El arte de Josef ene Michnia se caracteriza por un talento altamente sensible para la observación y un uso valiente inusual de formas y colores. Sus raíces se encuentran en la obra expresionista de Paul Cézanne, pero propia interpretación del artista de este estilo – un realismo expresivo – no se limita a mirar hacia atrás a los maestros expresionistas, pero es indudablemente contemporáneo e individual.

Una característica constante en todas sus obras es la fuerte dimensión trascendental de su percepción: su poder visionario siempre se esfuerza por borrar las fronteras entre la materia y el alma y para transformarlo en una fuente de inspiración para el observador.

                                                                                   &
                                                                                     &
web

Lovis Corinth





Lovis Corinth (21 de julio de 1858, Tapiau (Gvardeysk), Prusia –17 de julio de 1925ZandvoortHolanda) fue un pintorgrabador y escultoralemán cuyo trabajo maduro realizó una síntesis del impresionismo yexpresionismo.

Corinth estudió en París y Múnich, y fue uno de los representantes del movimiento artístico Sezession (Secesión de Berlín).
Su estilo, en un principio impresionista, evolucionó más tarde hacia un expresionismo dramático y visionario.

Guarda ciertas conexiones con Max Liebermann, si bien este último es más relajado y ornamental.
En 1902 abrió una escuela de pintura y poco tiempo después se casó con una de sus estudiantes, Charlotte Berend, veinte años más joven que él.
Charlotte, además de esposa y madre de sus hijos fue su musa inspiradora, influenciándolo profundamente, la vida familiar se transformó en uno de sus temas preferidos, conjuntamente con los paisajes, los bodegones y los retratos.
Stamps of Germany (Berlin) 1975, MiNr 509.jpg
Entre sus obras destacan: Ecce Homo (Basilea, Pinacoteca), Autorretrato con esqueleto (1896; Galería Estatal de la Casa Lenbach) y La familia del dios Marte (1910; Kunsthistorisches Museum de Viena).
Dejó además una amplia producción gráfica.
Su único ejemplo en museos de España ha de ser la pintura La modelo del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.
Su obra fue exhibida en la célebre exposición Entartete Kunst en Múnich, los nazis lo consideraron arte degenerado.
                                                              http://sv.wikipedia.org/
                                                             http://sv.wikipedia.org/
                                                                                                 Fuente
                                                                                     http://es.wikipedia.org/

Frits Van den Berghe

                                                            

Archivo: Frits Van den Berghe - Fertilidad 10-03-2009 15-31-07kopie.jpg

Frits Van den Berghe ( Gante , 3 de abril de 1883 – allí, el 23 de septiembre de 1939 ) fue un flamenco pintor .

Van den Berghe nació en Gante . Aunque hoy en día se reconoce ampliamente como obras maestras de flamenca expresionismo y el surrealismo fantástico , trajo inicialmente sensibles impresionistas obras, sorprendentemente simbólica impacto.
 
                       Archivo: Frits Van den Bergh vagabundo eterno vagabundo 10-03-2009 15-34-12.JPG
Ante la insistencia de Alfons Dessenis se trasladó en 1902 a Sint-Martens-Latem . En 1906, se hizo amigo de Albert Servaes , Gustaaf De Smet y constante Permeke . Aquí el expresionismo Latemse nacería. Van den Berghe era quizás el pintor conjunto cerebral expresionistas mayoría Latemse.
En 1907 se casó con Elvira Van Houtte. La familia tendría dos hijas, Yolanda y Edith. Ese mismo año se convirtió en profesor en la Academia de Gante. Una relación con el Gante actriz Stella de Wiele embargo enviado una vida familiar armoniosa confundido y tenía una influencia negativa en su arte.
 
Durante la Primera Guerra Mundial se Expresionismo desarrollarse plenamente, cuando estaba con De Smet, en Ámsterdam , Blaricum y Laren quedarse. Hubo una relación estilística con la visión oscura del francésHenri Le Fauconnier , los holandeses Ene Sluyters y tallista alemán Heinrich Campendonk . El freudiana del psicoanálisis hizo su primera marca.
 
En 1922 De Smet y vivió mucho tiempo con Permeke en el Kaaistraat a Ostende . Allí se encontraron con que Permeke durante su estancia en Inglaterra había pasado por una evolución de estilo similar. Unos meses más tarde se establecieron De Smet y Van den Berghe ubicado en el río Lys , por primera vez en Bachte-Maria-Leerne , a continuación, en la villa Malpertuis en Afsnee . Van den Berghe llegó allí clímax expresionista.
 
          
Después del colapso de la Bruselas escena artística en 1928 , fue siendo ilustrador en el socialista Gante periódico Adelante . Allí permaneció hasta su muerte. Mientras tanto, su estilo expresionista duro se ha convertido en un surrealismo fantástico , que sueña irreales y grotescas alucinaciones sugirieron en menudo sorprendentes gamas de color. Tenía la vitalidad y sensualidad del expresionismo reconciliado con el método refrescante e inventivo del surrealismo.
El tema central de su extensa obra ha sido siempre el hombre en su defecto trágico y dependencia
Van den Berghe murió a la edad de 56 en Gante.
Van den Berghe nació en Gante . Aunque hoy en día se reconoce ampliamente como obras maestras de flamenca expresionismo y el surrealismo fantástico , trajo inicialmente sensibles impresionistas obras, sorprendentemente simbólica impacto.
Ante la insistencia de Alfons Dessenis se trasladó en 1902 a Sint-Martens-Latem . En 1906, se hizo amigo de Albert Servaes , Gustaaf De Smet y constante Permeke . Aquí el expresionismo Latemse nacería. Van den Berghe era quizás el pintor conjunto cerebral expresionistas mayoría Latemse.
En 1907 se casó con Elvira Van Houtte. La familia tendría dos hijas, Yolanda y Edith. Ese mismo año se convirtió en profesor en la Academia de Gante. Una relación con el Gante actriz Stella de Wiele embargo enviado una vida familiar armoniosa confundido y tenía una influencia negativa en su arte.
Durante la Primera Guerra Mundial se Expresionismo desarrollarse plenamente, cuando estaba con De Smet, en Ámsterdam , Blaricum y Laren quedarse. Hubo una relación estilística con la visión oscura del francésHenri Le Fauconnier , los holandeses Ene Sluyters y tallista alemán Heinrich Campendonk . El freudiana del psicoanálisis hizo su primera marca.
En 1922 De Smet y vivió mucho tiempo con Permeke en el Kaaistraat a Ostende . Allí se encontraron con que Permeke durante su estancia en Inglaterra había pasado por una evolución de estilo similar. Unos meses más tarde se establecieron De Smet y Van den Berghe ubicado en el río Lys , por primera vez en Bachte-Maria-Leerne , a continuación, en la villa Malpertuis en Afsnee . Van den Berghe llegó allí clímax expresionista.
Después del colapso de la Bruselas escena artística en 1928 , fue siendo ilustrador en el socialista Gante periódico Adelante . Allí permaneció hasta su muerte. Mientras tanto, su estilo expresionista duro se ha convertido en un surrealismo fantástico , que sueña irreales y grotescas alucinaciones sugirieron en menudo sorprendentes gamas de color. Tenía la vitalidad y sensualidad del expresionismo reconciliado con el método refrescante e inventivo del surrealismo.
           El tema central de su extensa obra ha sido siempre el hombre en su defecto trágico y dependencia
                                                Van den Berghe murió a la edad de 56 en Gante.
                                                                             Fuente
                                                               http://nl.wikipedia.org/

Pieter Jacobus Nicolaas Florentius Arntzenius

                         Floris Arntzenius - Zelfportret.jpg
Pieter Jacobus Nicolaas Florentius Arntzenius (9 junio 1864 a 16 febrero 1925) era un holandés pintor , acuarelista , ilustrador y grabador . Se le considera un representante de la generación más joven de la Escuela de La Haya .
                          Archivo: Floris Arntzenius - Spuistraat, Den Haag.jpg
                                                           Spuistraat La Haya (aguada)
Arntzenius nació en Surabaya en la isla de Java , donde su padre sirvió en la Royal Dutch Army Indias Orientales . En 1875, a la edad de 11, fue enviado a los Países Bajos a Ámsterdam para vivir con su tía y su tío con el fin de completar su educación.
En 1882 se convirtió en un estudiante de Frederik Nachtweh , bajo la supervisión de Nachtweh ganó la admisión a la Rijksacademie van Beeldende Kunsten. Durante su tiempo en la Rijksacademie, 1883-1888, tuvo como profesores a agosto Allebé y Barend Wijnveld , [1] y entre sus compañeros de estudios eran Isaac Israëls , George Breitner , Willem Witsen y Ene Veth . [2] Después de sus estudios en Amsterdam pasó dos años en la Koninklijke Academie voor Schone Kunsten en Amberes , estudiando con Charles Verlat .
                        Archivo: Arntzenius Spuistraat.jpg
                                                             Spuistraat La Haya
                                                              (Pintura al óleo)
                                            (Colección Haags Museo Histórico)
 
De vuelta en Amsterdam, Arntzenius se convirtió en miembro de las sociedades de la artista Arte et Amicitiae (1890) y San Lucas (1891), y él tenía un estudio en la Sarphatistraat. En 1892 su madre quedó viuda y se trasladó a La Haya y Arntzenius también se trasladó allí para hacerle compañía. Casi al mismo tiempo sus antiguos compañeros de estudios Isaac Israëls y George Breitner dejó La Haya para Ámsterdam para ser parte de la más vibrante clima artístico de la capital. En La Haya los pintores establecidos de la primera generación de la Escuela de La Haya dominados vida artística.
Archivo: Floris Arntzenius - Huurkoetsen en de sneeuw.jpg
                                                     Entrenadores alquiler en la nieve
Arntzenius se convirtió en miembro de la sociedad de la artista Pulchri Estudio en La Haya en 1892. Desde 1893 hasta 1895 compartió Bernard Blommers antiguo estudio ‘con Cornelis Antonie van menguante . También contribuyó ilustraciones para Elsevier Geïllustreerd Maandschrift desde 1892 hasta 1894. En 1896 fue admitido en la Hollandsche Teeken Maatschappij, una sociedad que promueve el medio de acuarelas entre sus miembros. Se casó en 1900, a Lide Portero , un talentoso pintor de flores aún vive, que vivía en la casa de enfrente de la madre Arntzenius ‘, [3] junto con quien tuvo cuatro hijas, que pintó con frecuencia.
Archivo: Floris Arntzenius - Straatje en Hoorn, se reunió op Zicht de Kaaswaag.jpg
                                                                               Calle en Hoorn
Arntzenius era un artista consumado en varios medios, pero sobre todo sus acuarelas ganó grandes elogios. [4] [5] Durante sus primeros años en La Haya, pintó paisajes en el estilo de la Escuela de La Haya típico.Arntzenius más tarde cambió a paisajes urbanos pintura principalmente y escenas de la calle, al igual que Israëls y Breitner hizo en Amsterdam. Paisajes urbanos Arntzenius ‘fueron pintadas principalmente en tiempo de niebla o lluvia, que hizo uso de estas condiciones climáticas tener sus súbditos se reflejarán en el asfalto mojado. También pintó mucho en Scheveningen, que había cambiado desde el pobre pueblo de pescadores que fue en el momento de Jozef Israëls y Hendrik Willem Mesdag , en un popular balneario.
                 Archivo: Floris Arntzenius - Portret van Willem Maris.jpg
                         Retrato de Willem Maris (dwawing) (Colección Museo Municipal de La Haya)
 
Aunque Arntzenius no se considera ser un artista relevante hoy en día, que fue apreciado en su día. Ganó premios en las exposiciones de Munich , Venecia , Pittsburgh y Bruselas y sus obras se venden bien durante su vida. Sus amigos en La Haya incluyen Willem Maris , Willem Bastiaan Tholen , Bernard Blommers y Herman Johannes van der Weele . En 1910 abrió un estudio y comenzó a tomar en los estudiantes. Durante este tiempo pintó su mayoría retratos en comisión de clientes ricos. Esto continuó haciendo hasta que murió de tuberculosis en 1925, a la edad de 60.
 
Archivo: Floris Arntzenius - Ploegende boer en landschap.jpg glooiend

Fuente
http://en.wikipedia.org

Eje Törneman

                                                           
                                                                        Eje Törneman en familjebok nórdica
 
Hombro Törneman, nacido 28 de octubre 1880 en Persberg en Värmland, murió 26 de diciembre 1925 en Estocolmo , fue un sueco pintor .
                          File:Törneman Självporträtt med pipa 1916.jpg
                                                                              Självporträtt med pipa 1916
Sus pinturas tienen una tendencia dinámica y poderosa, y se lleva a cabo en varios de los modernistas estilos. Fue uno de los primeros sueca expresionistas artistas y pronto se convirtió en parte de la internacional de arte de vanguardia , después de haber abrazado el nuevo estilo, el arte más abstracto en Alemania y Francia durante el año 1900. Cuatro de sus cuadros más famosos, que “Night Café” y II (Versión II está en Thiel Gallery ) y “Breton” (Versión II es el Museo Moderno de Estocolmo), la creación en Francia en 1905. pinturas noche del café de Thorn, desde el Café le Rat Mort en París, puede ser visto como dos de los más importantes trabajos avance del modernismo sueco.
                                    De elektriska strömmarna.
Hombro Törneman nació en 1880 en Persberg en Värmland como el hijo del industrial Juan Algot Törneman . Su abuela era un libro de cocina autor Gustafva Björklund .
Estudió en la Escuela de Arte Valand en 1899 durante Carl Wilhelmson y luego viajó a Europa para realizar estudios sobre el continente de los años 1900-1905. Estudió primero en la academia de Munich, y luego fue a Dachaupara estudiar con Adolf Hölzel , y más tarde fue activo en París y Bretaña.
                                         Apoteos över Stockholm som sjöstad
Avance internacional de Thorn llegó en 1905 al Salón de Otoño de París con “rasgo”. Realizó más tarde varios murales y adornos en Estocolmo Edificios Ayuntamiento , KTH , Norra Latina y Bienes del Este . También realizó murales en la segunda cámara de cámara en la Casa del Parlamento .
Törneman casado con la cantante noruega Gudrun Høyer-Ellefsen, 1908, y tuvieron un hijo, Algot Törneman (1909-1993), artista más tarde.
La familia se mudó en 1924 a Johannisberg en Djurgarden . [1] Eje Törneman murió en 1925 en Estocolmo, úlceras sangrantes, 45 años de edad.
                                      Bretagnare I/Bretons I, 1905
 
Hombro Törneman nació en 1880 en Persberg en Värmland como el hijo del industrial Juan Algot Törneman . Su abuela era un libro de cocina autor Gustafva Björklund .
Estudió en la Escuela de Arte Valand en 1899 durante Carl Wilhelmson y luego viajó a Europa para realizar estudios sobre el continente de los años 1900-1905. Estudió primero en la academia de Munich, y luego fue a Dachaupara estudiar con Adolf Hölzel , y más tarde fue activo en París y Bretaña.
                                     Bonden i Bretagne/Farmer in Brittany, 1905
Avance internacional de Thorn llegó en 1905 al Salón de Otoño de París con “rasgo”. Realizó más tarde varios murales y adornos en Estocolmo Edificios Ayuntamiento , KTH , Norra Latina y Bienes del Este . También realizó murales en la segunda cámara de cámara en la Casa del Parlamento .
Törneman casado con la cantante noruega Gudrun Høyer-Ellefsen, 1908, y tuvieron un hijo, Algot Törneman (1909-1993), artista más tarde.
La familia se mudó en 1924 a Johannisberg en Djurgarden . [1] Eje Törneman murió en 1925 en Estocolmo, úlceras sangrantes, 45 años de edad.
 
                                         Nattcafé I/Night Café I, 1905 – 1906
Blue Room en el Ayuntamiento de Estocolmo dominado por mural Apoteosis de Thorn de Estocolmo como puerto marítimo, que ocupa la pared del fondo del oeste y el elogio de la belleza de la capital. La escala de color se ejecuta en azul pastel, de ahí el nombre “Blue Room”. Los motivos son tomadas de la construcción del Palacio Municipal y contiene una serie de alegóricos y simbólicos elementos con una reina celestial como la figura central. Observadores de arte contemporáneo sintieron que la culminación Blue Room de la obra de la vida artística de Thorn.
                                              Nattcafé II/Night Café II, 1906
                                                        Man med tjur, 1909
               
                                                    Ungdom/Youth, 1919
                                                          Sagostund, 1919
                        Stadshuset byggeskalkmålning i Blåa rummet intill Gyllene salen
                                                     Verk i Kiruna stadshus
                                                              Fuente
                                                http://sv.wikipedia.org/