ARTE

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Frederick Childe Hassam

 
                                              Childe Hassam 1903.png
                                                              Childe Hassam
Frederick Childe Hassam (1859-1935) fue un pintor impresionista estadounidense. En 1886 viajó a París para estudiar arte en la Académie Julian (1886-1889). Tuvo como maestros a Gustave Boulanger y Jules Joseph Lefebvre. Hassam regresó a Estados Unidos en 1889, residiendo en Nueva York.
Childe Hassam - Palace of Fine Arts
Nació en octubre de 1859 en el barrio de Dorchester, Boston. El impresionismo francés y el arte de Claude Monet tuvieron una fuerte influencia en Hassam. Formó parte del Ten American Painters, una asociación de pintores norteamericanos impresionistas.1 En su regreso a Nueva York, Hassam pintó edificios de la ciudad en un estilo impresionista francés. Murió el 27 de agosto de 1935 en Easthampton, Nueva York.
Childe Hassam - Spring in Central Park
Entre sus obras más conocidas está la Flag series, treinta cuadros que comenzó a pintar en 1916 cuando se inspiró en el desfile de los voluntarios para la preparación de los Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial en la Quinta Avenida.2 Fue realizada al final de su vida. La más famosa pintura de la serie, The Avenue in the Rain (1917) representando banderas de Estados Unidos y sus reflejos en la lluvia es parte de la colección de la Casa Blanca y Barack Obama la situó en la Oficina Oval al comienzo de su presidencia.
Childe Hassam - The Bartlett Gardens
Otras obras sobresalientes de Hassam son Rain Storm, Union Square (1890), The South Ledges, Appledore (1913) o Allies Day, May 1917 (1917).
Childe Hassam - The Mill Dam Cos Cob
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Dune Pool
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Canal Scene
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Cliff Rock Appledore
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Under the Alders
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Moonlight
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Bridge at Posilippo at Naples
  Frederick Childe Hassam               Childe Hassam - Summer Sunlight
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Quai du Louvre
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Pear Blossoms
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Spring Morning at Montmartre
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - A Walk in the Park
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - A Rainy Day in Boston
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam  - Sunset
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Rain Storm Union Square
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Place Centrale and Fort Cabanas - Havana
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Notre Dame Cathedral - Paris
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - A Rainy Day in Boston
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Greg Olsen

 
Greg Olsen (nacido en 1958 en Idaho) es un prolífico artista de finales del 20 y principios del siglo 21, famoso por sus pinturas, “¡Jerusalén”, “El Espíritu de Navidad” y “mundos sin fin”. Muchas empresas importantes tienen su trabajo, incluyendo el Pentágono .Mientras que su cartera es muy diversa (occidental, Niñez, Navidad, americanas y paisajes), que es el más famoso por sus pinturas de Jesucristo .
 
Olsen nació en Idaho Falls, Idaho para Gordon Olsen y Janel Corporales Olsen. Se crió en la comunidad agrícola cercana de Iona , Idaho . Él es el mayor de cinco hermanos. Greg comenzó a mostrar un interés en arte cuando él estaba en el cuarto grado. Pidió un conjunto de arte John Nagey para la Navidad, que venía con instrucciones detalladas acerca de los valores, sombreado, perspectiva, etc. También vino con un suministro abundante de papel y diferentes tonos de lápiz negro, gris y blanco, junto con lápices de colores.
 En el momento en que llegó a la escuela de alta Jr. Greg comenzó a tomar muy en serio el arte, y cuando entró Bonneville High School secundaria que fue la suerte de tener un muy buen profesor de arte (Bob Whitney), que tal vez, contribuyó más a la educación artística de Greg y el deseo para que sea el trabajo de su vida que cualquier otra persona.
Estudió en la Universidad del Estado de Utah , donde conoció y se casó con Sydnie Cazier. Tienen seis hijos
 Greg Olsen
 Greg Olsen
 Greg Olsen
 Greg Olsen
 Greg Olsen
 Greg Olsen
 Greg Olsen

Pieter Jacobus Nicolaas Florentius Arntzenius

                         Floris Arntzenius - Zelfportret.jpg
Pieter Jacobus Nicolaas Florentius Arntzenius (9 junio 1864 a 16 febrero 1925) era un holandés pintor , acuarelista , ilustrador y grabador . Se le considera un representante de la generación más joven de la Escuela de La Haya .
                          Archivo: Floris Arntzenius - Spuistraat, Den Haag.jpg
                                                           Spuistraat La Haya (aguada)
Arntzenius nació en Surabaya en la isla de Java , donde su padre sirvió en la Royal Dutch Army Indias Orientales . En 1875, a la edad de 11, fue enviado a los Países Bajos a Ámsterdam para vivir con su tía y su tío con el fin de completar su educación.
En 1882 se convirtió en un estudiante de Frederik Nachtweh , bajo la supervisión de Nachtweh ganó la admisión a la Rijksacademie van Beeldende Kunsten. Durante su tiempo en la Rijksacademie, 1883-1888, tuvo como profesores a agosto Allebé y Barend Wijnveld , [1] y entre sus compañeros de estudios eran Isaac Israëls , George Breitner , Willem Witsen y Ene Veth . [2] Después de sus estudios en Amsterdam pasó dos años en la Koninklijke Academie voor Schone Kunsten en Amberes , estudiando con Charles Verlat .
                        Archivo: Arntzenius Spuistraat.jpg
                                                             Spuistraat La Haya
                                                              (Pintura al óleo)
                                            (Colección Haags Museo Histórico)
 
De vuelta en Amsterdam, Arntzenius se convirtió en miembro de las sociedades de la artista Arte et Amicitiae (1890) y San Lucas (1891), y él tenía un estudio en la Sarphatistraat. En 1892 su madre quedó viuda y se trasladó a La Haya y Arntzenius también se trasladó allí para hacerle compañía. Casi al mismo tiempo sus antiguos compañeros de estudios Isaac Israëls y George Breitner dejó La Haya para Ámsterdam para ser parte de la más vibrante clima artístico de la capital. En La Haya los pintores establecidos de la primera generación de la Escuela de La Haya dominados vida artística.
Archivo: Floris Arntzenius - Huurkoetsen en de sneeuw.jpg
                                                     Entrenadores alquiler en la nieve
Arntzenius se convirtió en miembro de la sociedad de la artista Pulchri Estudio en La Haya en 1892. Desde 1893 hasta 1895 compartió Bernard Blommers antiguo estudio ‘con Cornelis Antonie van menguante . También contribuyó ilustraciones para Elsevier Geïllustreerd Maandschrift desde 1892 hasta 1894. En 1896 fue admitido en la Hollandsche Teeken Maatschappij, una sociedad que promueve el medio de acuarelas entre sus miembros. Se casó en 1900, a Lide Portero , un talentoso pintor de flores aún vive, que vivía en la casa de enfrente de la madre Arntzenius ‘, [3] junto con quien tuvo cuatro hijas, que pintó con frecuencia.
Archivo: Floris Arntzenius - Straatje en Hoorn, se reunió op Zicht de Kaaswaag.jpg
                                                                               Calle en Hoorn
Arntzenius era un artista consumado en varios medios, pero sobre todo sus acuarelas ganó grandes elogios. [4] [5] Durante sus primeros años en La Haya, pintó paisajes en el estilo de la Escuela de La Haya típico.Arntzenius más tarde cambió a paisajes urbanos pintura principalmente y escenas de la calle, al igual que Israëls y Breitner hizo en Amsterdam. Paisajes urbanos Arntzenius ‘fueron pintadas principalmente en tiempo de niebla o lluvia, que hizo uso de estas condiciones climáticas tener sus súbditos se reflejarán en el asfalto mojado. También pintó mucho en Scheveningen, que había cambiado desde el pobre pueblo de pescadores que fue en el momento de Jozef Israëls y Hendrik Willem Mesdag , en un popular balneario.
                 Archivo: Floris Arntzenius - Portret van Willem Maris.jpg
                         Retrato de Willem Maris (dwawing) (Colección Museo Municipal de La Haya)
 
Aunque Arntzenius no se considera ser un artista relevante hoy en día, que fue apreciado en su día. Ganó premios en las exposiciones de Munich , Venecia , Pittsburgh y Bruselas y sus obras se venden bien durante su vida. Sus amigos en La Haya incluyen Willem Maris , Willem Bastiaan Tholen , Bernard Blommers y Herman Johannes van der Weele . En 1910 abrió un estudio y comenzó a tomar en los estudiantes. Durante este tiempo pintó su mayoría retratos en comisión de clientes ricos. Esto continuó haciendo hasta que murió de tuberculosis en 1925, a la edad de 60.
 
Archivo: Floris Arntzenius - Ploegende boer en landschap.jpg glooiend

Fuente
http://en.wikipedia.org


Eje Törneman

                                                           
                                                                        Eje Törneman en familjebok nórdica
 
Hombro Törneman, nacido 28 de octubre 1880 en Persberg en Värmland, murió 26 de diciembre 1925 en Estocolmo , fue un sueco pintor .
                          File:Törneman Självporträtt med pipa 1916.jpg
                                                                              Självporträtt med pipa 1916
Sus pinturas tienen una tendencia dinámica y poderosa, y se lleva a cabo en varios de los modernistas estilos. Fue uno de los primeros sueca expresionistas artistas y pronto se convirtió en parte de la internacional de arte de vanguardia , después de haber abrazado el nuevo estilo, el arte más abstracto en Alemania y Francia durante el año 1900. Cuatro de sus cuadros más famosos, que “Night Café” y II (Versión II está en Thiel Gallery ) y “Breton” (Versión II es el Museo Moderno de Estocolmo), la creación en Francia en 1905. pinturas noche del café de Thorn, desde el Café le Rat Mort en París, puede ser visto como dos de los más importantes trabajos avance del modernismo sueco.
                                    De elektriska strömmarna.
Hombro Törneman nació en 1880 en Persberg en Värmland como el hijo del industrial Juan Algot Törneman . Su abuela era un libro de cocina autor Gustafva Björklund .
Estudió en la Escuela de Arte Valand en 1899 durante Carl Wilhelmson y luego viajó a Europa para realizar estudios sobre el continente de los años 1900-1905. Estudió primero en la academia de Munich, y luego fue a Dachaupara estudiar con Adolf Hölzel , y más tarde fue activo en París y Bretaña.
                                         Apoteos över Stockholm som sjöstad
Avance internacional de Thorn llegó en 1905 al Salón de Otoño de París con “rasgo”. Realizó más tarde varios murales y adornos en Estocolmo Edificios Ayuntamiento , KTH , Norra Latina y Bienes del Este . También realizó murales en la segunda cámara de cámara en la Casa del Parlamento .
Törneman casado con la cantante noruega Gudrun Høyer-Ellefsen, 1908, y tuvieron un hijo, Algot Törneman (1909-1993), artista más tarde.
La familia se mudó en 1924 a Johannisberg en Djurgarden . [1] Eje Törneman murió en 1925 en Estocolmo, úlceras sangrantes, 45 años de edad.
                                      Bretagnare I/Bretons I, 1905
 
Hombro Törneman nació en 1880 en Persberg en Värmland como el hijo del industrial Juan Algot Törneman . Su abuela era un libro de cocina autor Gustafva Björklund .
Estudió en la Escuela de Arte Valand en 1899 durante Carl Wilhelmson y luego viajó a Europa para realizar estudios sobre el continente de los años 1900-1905. Estudió primero en la academia de Munich, y luego fue a Dachaupara estudiar con Adolf Hölzel , y más tarde fue activo en París y Bretaña.
                                     Bonden i Bretagne/Farmer in Brittany, 1905
Avance internacional de Thorn llegó en 1905 al Salón de Otoño de París con “rasgo”. Realizó más tarde varios murales y adornos en Estocolmo Edificios Ayuntamiento , KTH , Norra Latina y Bienes del Este . También realizó murales en la segunda cámara de cámara en la Casa del Parlamento .
Törneman casado con la cantante noruega Gudrun Høyer-Ellefsen, 1908, y tuvieron un hijo, Algot Törneman (1909-1993), artista más tarde.
La familia se mudó en 1924 a Johannisberg en Djurgarden . [1] Eje Törneman murió en 1925 en Estocolmo, úlceras sangrantes, 45 años de edad.
 
                                         Nattcafé I/Night Café I, 1905 – 1906
Blue Room en el Ayuntamiento de Estocolmo dominado por mural Apoteosis de Thorn de Estocolmo como puerto marítimo, que ocupa la pared del fondo del oeste y el elogio de la belleza de la capital. La escala de color se ejecuta en azul pastel, de ahí el nombre “Blue Room”. Los motivos son tomadas de la construcción del Palacio Municipal y contiene una serie de alegóricos y simbólicos elementos con una reina celestial como la figura central. Observadores de arte contemporáneo sintieron que la culminación Blue Room de la obra de la vida artística de Thorn.
                                              Nattcafé II/Night Café II, 1906
                                                        Man med tjur, 1909
               
                                                    Ungdom/Youth, 1919
                                                          Sagostund, 1919
                        Stadshuset byggeskalkmålning i Blåa rummet intill Gyllene salen
                                                     Verk i Kiruna stadshus
                                                              Fuente
                                                http://sv.wikipedia.org/

George Inness

George Inness

George Inness

George Inness

George Inness fue el quinto de trece hijos nacidos de John Williams Inness, un agricultor, y su esposa, Clarissa Baldwin. Su familia se mudó a Newark, Nueva Jersey cuando tenía unos cinco años de edad. En 1839 estudió durante varios meses con un pintor itinerante, John Jesse Barker. En su adolescencia, Inness trabajó como un mapa de grabador en la ciudad de Nueva York. Durante este tiempo ha atraído la atención del pintor paisajista francés Francois Regis Gignoux, con quien estudió posteriormente. A mediados de los años 1840 también asistió a clases en la Academia Nacional de Diseño, y estudió la obra de artistas Escuela del río Hudson Thomas Cole y Asher Durand; “Si”, recordó más tarde Inness pensando, “estos dos se pueden combinar, voy a tratar . ”

Al mismo tiempo que estos estudios Inness abrió su primer estudio en Nueva York. En 1849 se casó con Delia Inness Miller, que murió unos meses más tarde. Al año siguiente se casó con Elizabeth Abigail Hart, con quien tendría seis hijos.
Inicios de su carrera
En 1851 un mecenas llamado Ogden Haggerty patrocinado primer viaje Inness ‘a Europa para pintar y estudiar.Inness pasó más de un año en Roma, mientras tanto él alquiló un estudio por encima de la de pintor William Page, que probablemente introdujo al artista a Swedenborgianismo.
Durante los viajes a París a principios de los años 1850, Inness cayó bajo la influencia de los artistas que trabajan en la escuela de Barbizon de Francia. Se observaron los paisajes de Barbizon por su pincelada más suelta, paleta más oscura, y el énfasis en el estado de ánimo. Inness rápidamente se convirtió en el exponente americano principal de la pintura de estilo Barbizon, que se convirtió en un estilo muy personal. En 1854 su hijo George Inness, Jr., quien también se convirtió en un pintor de paisajes de la nota, nació en París.

George Inness

A mediados de la década de 1850, Inness fue encargado por el Delaware, Lackawanna y ferrocarril occidental para crear pinturas que documentan el progreso del crecimiento de DLWRR en América temprana Industrial. El Valle de Lackawanna, ca pintada. 1855, representa la primera casa de máquinas del ferrocarril en Scranton, Pennsylvania, e integra la tecnología y el desierto en un paisaje observado, en el tiempo, no sólo Inness huir de la presencia industrial a favor de temas bucólicos o agrarias, pero produciría gran parte de su obra de madurez en el estudio, sobre la base de su memoria visual para producir escenas que a menudo inspiradas en lugares específicos, sin embargo, cada vez más preocupados por consideraciones formales.

El trabajo de los años 1860 y 1870 a menudo tendía hacia el cielo panorámicas y pintorescos, coronadas por nubes cargadas y amenazantes, e incluyó visitas de su país natal (Autumn Oaks, 1878, Museo Metropolitano de Arte, Montañas Catskill, 1870, Instituto de Arte de Chicago), así como escenas inspiradas en numerosos viajes al extranjero, especialmente a Italia y Francia (El monje, 1873, Addison Gallery of American Art, Etretat, 1875, Wadsworth Atheneum). En términos de composición, la precisión del dibujo, y el uso emotivo del color, estas pinturas colocadas Inness entre los mejores y más exitosos pintores de paisajes de América.

Eventualmente arte Inness ‘evidencia la influencia de la teología de Emanuel Swedenborg. De particular interés para Inness fue la idea de que todo en la naturaleza tiene una relación correspondential con algo espiritual y así recibió una “afluencia” de Dios para existir continuamente.
Otra influencia en el pensamiento Inness ‘fue William James, que también es adherente a Swedenborgianismo. En particular, Inness se inspiró en la idea de James de la conciencia como una “corriente de pensamiento”, así como sus ideas respecto a cómo da forma a la experiencia mística de la perspectiva hacia la naturaleza.

Después Inness instaló en Montclair, Nueva Jersey en 1885, y sobre todo en la última década de su vida, este componente místico que se manifiesta en su arte a través de un manejo más abstracta de las formas, suavizó los bordes, y co saturado.
Es esta última cualidad en particular que distingue Inness de esos pintores de simpatías, como que se caracterizan como luministas.
En una entrevista publicada, Inness sostuvo que “El verdadero uso del arte es, en primer lugar, para cultivar propia naturaleza espiritual del artista.” Su interés permanente en consideraciones espirituales y emocionales no impedía Inness desde la realización de un estudio científico de color, ni una aproximación matemática, estructural a la composición: “La calidad poética no se obtiene al evitar cualquier verdad de los hechos o de la Naturaleza … La poesía es la visión de la realidad “.
Inness murió mientras en Escocia en 1894. Según su hijo, que estaba viendo la puesta de sol, cuando él levantó las manos en el aire y exclamó: “¡Dios mío! ¡Oh, qué bonito!”, Cayó al suelo y murió minutos después.

George Inness


Jeremy Mann

                                                                               
                                                                          
                                                                 
                                                                      
                                           
                                                                            
                                                                        
                                                                             

Jeremy Mann(b. 1979) graduated from Ohio University with a Cum Laude degree in Fine Art-Painting. Afterward, he ventured out to California where he earned his MasterÕs Degree with Valedictorian honors at the Academy of Art University in San Francisco. Since then, Mann has garnered substantial attention in the art world. Praised by critics and collectors alike, his work recently graced the cover of American Art Collector magazine. Executed on medium to large-scale panels, each exciting work demonstrates the artist’s unmistakable style. Working on wood panels provides a strong support, where Mann can utilize a number of techniques: staining the surface, wiping away paint with solvents, and applying broad, gritty marks with an ink brayer. Mann paints with confidence and flair. He addresses complex compositions with a mature eye and his colors are both vivid and atmospheric. Living in downtown San Francisco, Mann paints his immediate surroundings with intimate, dynamic expression. A number of unique compositions are inspired from the city’s pavement, where reflected street lamps and neon signs glitter in the rain. In each work, Mann imbues the city with drama, mood, and personality.. Ever ambitious, Mann covers a wide range of subjects beyond cityscapes: interior scenes of lone, young women as striking and restless as the city itself; a bold and intriguing self-portrait, masterful still life paintings, and pastoral scenes that recall the landscape of his hometown. Mann’s remarkable skill and range have made him an integral part of the gallery’s strong stable of artists. His skill is unusually strong for a painter so young. We recommend Mann’s work to you without hesitation. Prices for his work range from $1,250 to $25,000 depending upon size and complexity.

                                                                      
                                                                 
                                                                           
                                                                            
                                                                          
                                                                        
                                                                   
                                                                              
                                                     
                                          
                                                    

Jeremy Mann (nacido en 1979) se graduó en la Universidad de Ohio con un grado Cum Laude en Artes Plásticas-Pintura. Después, él se aventuró a salir a California, donde obtuvo su Licenciatura con honores MasterÕs Valedictorian de la Academy of Art University en San Francisco. Desde entonces, Mann se ha ganado considerable atención en el mundo del arte. Elogiado por los críticos y coleccionistas, su trabajo recientemente apareció en la portada de la revista norteamericana Art Collector. Ejecutado en un medio de paneles de gran escala, cada obra emocionante demuestra inconfundible estilo del artista. Trabajando sobre paneles de madera proporciona un fuerte apoyo, cuando Mann puede utilizar una serie de técnicas: la tinción de la superficie, limpiando con disolventes de pintura, y aplicando, marcas arenosas anchas con un rodillo de tinta. Mann pinta con confianza y estilo. Él se dirige a composiciones complejas con una mirada madura y sus colores son a la vez vivo y atmosférica. Vivir en el centro de San Francisco, Mann pinta su entorno inmediato, con, expresión dinámica íntima. Una serie de composiciones únicas se inspira en el pavimento de la ciudad, donde las lámparas de calle reflejadas y letreros de neón brillan bajo la lluvia. En cada obra, Mann impregna la ciudad con el drama, el humor y la personalidad .. Alguna vez ambicioso, Mann cubre una amplia gama de temas más allá de paisajes urbanos: las escenas de interior de las mujeres solas, jóvenes como sorprendente e inquieto como la ciudad misma; un autorretrato atrevida e intrigante, magistrales bodegones y escenas pastorales que recuerdan el paisaje de su ciudad natal. Notable habilidad y rango de Mann él una parte integrante de la galería de fuerte estable de artistas han hecho. Su habilidad es inusualmente fuerte para un pintor tan joven. Recomendamos la obra de Mann a ti sin dudarlo. Los precios de la gama de trabajo de $ 1.250 y $ 25.000 dependiendo del tamaño y complejidad.

                                                                         
                                                                      
                                   
                               
                             

Adrian Borda – Matices Surrealistas

Adrian Borda© – My Summer Wine

Adrian Borda es un artista nacido en Reghim, Rumania el 21 de Noviembre de 1978. Comienza a pintar a los 12 años, cuando va a la Escuela de Arte Superior de Targu-Mures y a continuación sigue la especialización en Iasi, en la Universidad George Enescu, en la Facultad de Artes Plásticas y Diseño sección pintura. Ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas en Rumanía en Targu-Mures, Iasi, Reghin, y en Eindhove, Holanda. Su obra también se encuentra en colecciones privadas por todo el mundo desde que empezó a venderla en eBay: Estados Unidos, Hungría, Canadá, Francia, Suiza, Japón, Reino Unido, Holanda, Bélgica, Grecia.

Adrian Borda© – Bleeding Rose
Adrian Borda© – Games People Play

La obra de Adrian Borda es oscura y apasionada y sobre todo de un estilo surrealista lleno de matices. Sus pinturas son un gran ejercicio visual, el espectador vuelve una y otra vez a ellas para encontrarse con nuevos elementos que le habían pasado desapercibidos la primera vez. La influencia del surrealismo más daliniano se mezclan con otras más simbolistas como las de Gustav Klimt a quien parece homenajear en algunos de sus cuadros.

Adrian Borda© – Agaric Flying Dutchman
Adrian Borda© – The Pursuit of Happyness
Adrian Borda© – The Forbidden Spark
Adrian Borda© – Cirque du Soleil

Adrian Borda traza un camino paralelo entre lo clásico y lo moderno, su fantasía se destapa entre escenas cirquenses, pin-ups futuristas y extraños seres mitad humanos mitad máquinas. Hay cierta agresividad contenida en sus composiciones, y también algunas dosis de erotismo contenido. Su trabajo también se puede ver en su página de deviantArt donde encontramos otras facetas del artista como algunos retratos o bodegones.

Adrian Borda© – I Keep The Smile in My Heart
Adrian Borda© – Requiem for Peace
Adrian Borda© – Fool’s Move
“Me veo a mi mismo como un alquimista visual que en la búsqueda de oro he descubierto muchas otras cosas de gran valor. Lamentablemente no tengo ni idea de que es eso de oro para el ojo, pero sigo buscándolo…”(Adrian Borda)
Adrian Borda© – She Had Flowers In Her Hair
Adrian Borda© – Searching The Music Of My Heart
Adrian Borda© – The da Vinci Code
Adrian Borda© – Angels Don’t Play This Harp
Adrian Borda© – Artist in Love
Adrian Borda© – The Allegory of Painting
Fuente

Alexei Antonov [Алексей Антонов]

Alexei Antonov [Алексей Антонов] es un ruso nacido pintor americano que está fascinado por la clásica pintura. realismo clásico es un proceso creativo de la obra de arte con la siguiente precisión de las normas y requisitos que se han creado durante la época del Renacimiento y pulido más tarde por los más grandes artistas de generación en generación. Alexei Antonov desea reactivar y ampliar las técnicas de los grandes maestros del Renacimiento y la punta de lanza de un nuevo arte renacentista en la era moderna. Se ha creado una amplia colosal de naturalezas muertas , que están llenos de colores vibrantes y detalles ornamentales de lujo.

Alexei Antonov [Алексей Антонов] is an American painter born Russian who is fascinated by classical painting. classical realism is a creative process of the work of art with the following accuracy of standards and requirements that were created during the Renaissance and later polished by the greatest artists from generation to generation. Alexei Antonov wants to revive and expand the techniques of the great masters of the Renaissance and the spearhead of a new Renaissance art in the modern era. It has been created a colossal range of still lifes, which are full of vibrant colors and ornamental details of luxury.

Alexei Antonov [Алексей Антонов] est un peintre américain né russe qui est fasciné par la peinture classique. réalisme classique est un processus de création de le œuvre d’art avec l’exactitude suivant des normes et des exigences qui ont été créés au cours de la Renaissance et plus tard polis par les plus grands artistes d’une génération à l’autre. Alexei Antonov veut relancer et développer les techniques des grands maîtres de la Renaissance et le fer de lance d’une nouvelle Renaissance art dans l’ère moderne. Il a été créé une gamme colossale de natures mortes, qui sont pleines de couleurs éclatantes et des détails ornementaux du luxe.

Alexei Antonov [Алексей Антонов] è stato un pittore statunitense nato russo che è affascinato dalla pittura classica. realismo classico è un processo creativo dell’opera d’arte con la seguente precisione di standard e requisiti che sono stati creati durante il Rinascimento e poi lucidati dei più grandi artisti di generazione in generazione. Alexei Antonov vuole rilanciare e ampliare le tecniche dei grandi maestri del Rinascimento e la punta di diamante di un nuovo Rinascimento arte in epoca moderna. È stato creato una colossale serie di Nature morte, che sono piene di colori vivaci e dettagli ornamentali di lusso.

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MARGARET BOWLAND

Margaret Bowland

Biography:
Margaret Bowland. Born in Burlington, North Carolina, in 1953, the artist has drawn and painted since early childhood. Ms. Bowland works full time as an artist, lives and works in Brooklyn, NY, with her husband and two children.
Education:
University of North Carolina at Chapel Hill
1970-71, and 1971-72 Studio Art and English concentrations.
Governor’s School of North Carolina
Selected to attend this prestigious school due to the strength of her drawing and painting portfolio.
Teaching:
2008 New York Academy of Art, New York, NY
Resumes position as Painting Instructor, September 2008.
1985–1992 New York Academy of Art, New York, NY
Painting Instructor for Painting III and Graduate Advisor.

Biographie : Margaret Bowland. Né à Burlington, en Caroline du Nord, en 1953, l’artiste a dessiné et peint depuis l’enfance. Mme Bowland travaille à plein temps en tant qu’artiste, vit et travaille à Brooklyn, New York, avec son mari et ses deux enfants.Éducation : Université de Caroline du Nord à la chapelle Hill1970-71 et 1971-72 les concentrations Art Studio et en anglais.École de North CarolinaSelected de gouverneur pour assister à cette prestigieuse école en raison de la force de son dessin et le portefeuille de la peinture.Enseignement : 2008 New York Academy of Art, New York, NYResumes positionner comme instructeur de peinture, septembre 2008.1985–1992 Academy of Art de New York, New York, NYPainting instructeur pour peinture III et conseiller en études supérieures.

Biografía: Margaret Bowland. Nacido en Burlington, Carolina del norte, en 1953, el artista ha dibujado y pintado desde su infancia. La Sra. Bowland trabaja a tiempo completo como artista, vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York, con su esposo y dos hijos.Educación: Universidad de Carolina del norte en capilla Hill1970-71 y 1971-72 las concentraciones de estudio de arte e inglés.Escuela del norte CarolinaSelected de gobernador a asistir a esta prestigiosa escuela debido a la fuerza de su cartera de pintura y dibujo.Enseñanza: 2008 New York Academy of Art, Nueva York, NYResumes posición como Instructor de pintura, septiembre 2008.1985–1992, New York Academy of Art, Nueva York, NYPainting Instructor de pintura III y asesor de postgrado.

Biografia: Margaret Bowland. Nato a Burlington, nel North Carolina, nel 1953, l’artista ha disegnato e dipinto fin dalla prima infanzia. Signora Bowland lavora a tempo pieno come un artista, vive e lavora a Brooklyn, New York, con il marito e due figli.Educazione: Università del North Carolina a Chapel Hill1970-71 e 1971-72 Art Studio e inglese concentrazioni.Scuola del Nord CarolinaSelected di governatore a partecipare a questa prestigiosa scuola grazie alla forza del suo disegno e la pittura portfolio.Insegnamento: 2008 New York Academy of Art, New York, NYResumes posizione come istruttore di pittura, settembre 2008.1985–1992 Academy of Art di New York, New York, NYPainting istruttore per pittura III e Graduate Advisor.

                                                                           
                                                                      
                                                                                    
                                                                                    
                                                                                                                 
Fuente

RUDOLF KOLLER

                                                                                         

Rudolf Koller (* 21 de mayo de 1828 en Zurich , † 5 de enero de 1905 ) fue un suizo pintor .Koller era conocido principalmente por su Gotthardpost .

Koller nació el hijo de un carnicero y posadero de Schaffhausen y María Ursula Forster. Primero asistió a la escuela privada de jardín negro , más tarde, la escuela primaria a la Catedral de Notre . Entre 1840 y 1843 fue a la Escuela Industrial Cantonal de Zurich. Para su tío, un pintor de paisajes, recibió sus primeras lecciones de dibujo. Ya en ese momento decidió convertirse en pintores caballos. En la Pascua de 1843 Koller dejó la escuela y comenzó a entrenar en el maestro de dibujo de Jacques suizo , el retratista Johann Rudolf Obrist y el paisajista Johann Jakob Ulrich , quien le enseñó las sugerencias artísticas cruciales.
1845 se originó cerca de Stuttgart primeras pruebas de caballos en la yeguada del rey de Württemberg y Koller recibió pedidos para caballos y perros fotos. 1846-1847 fue un estudio en la clase de figura de Karl Ferdinand Sohn en la Academia de Arte de Dusseldorf . Hay Koller hizo amigo de los pintores Arnold Boc yAnselm Feuerbach .
1847 Koller viajó con Böcklin tras Bruselas y luego pasó a solas después de Amberes y París , donde en el Louvre las obras holandesas de la 17 ª Siglo y copiado las obras de modernos pintores de animales como Rosa Bonheur y Constant Troyon conocieron. Girando a la francesa de Barbizon pintores pintura colonia entró en la vida al aire libre cada vez más en el centro de su trabajo. En abril de 1848 regresó Koller, plagado de preocupaciones financieras, de vuelta a Zurich.
De 1849 a 1850 pintó en el Hasliberg en Brünigbahn . Más tarde viajó a Munich , donde dirigió el pintor de paisajes y animales Johann Gottfried Steffan y Friedrich Voltz conocieron. En los sementales bávaros septentrionales pintó estudios y viajó por motivos de estudio en el Oetztal y el Zugspitze . Desde abril 1851 Koller vivió nuevamente en Zurich y se hizo amigo de los pintores Robert ignición y Ernst Stückelberg a. En mayo, se inauguró en Zurich-Oberstrass un estudio y ha recibido varios pedidos de imágenes de animales. 1852-1853 pintaba – en estrecha colaboración con Robert chispas – estudios de campo en el Lago Walen .
El 5 de 05 1856 se casó con Bertha Schlatter Koller. La luna de miel de la pareja llevó a Viena, donde Koller había sido exhibido en varias ocasiones. En 1857 pintó la vaca en el jardín de hierbas ( Kunsthaus Zurich ). Se hizo amigo del escritor Gottfried Keller , el historiador de la cultura Jacob Burckhardt y el erudito literario y filósofo Friedrich Theodor Vischer . Koller 1855 pintó un retrato de Bertha Schlatter (Kunsthaus Zurich). A finales del verano de 1858 Koller estaba en el área de Richisau en el cantón de Glaris , donde la imagen Richisau surgió.
1862 adquirió la casa de Koller a Hornau en ese momento salvaje cuerno Zurich sobre el lago de Zurich . Allí vivió hasta su muerte, trabajó y llevó a cabo una gran variedad de animales con el fin de estudiarlas con la mayor precisión posible. De noviembre 1868 a junio 1869 viajó Koller para estudios de la naturaleza a Florencia, Roma y Nápoles. A partir de 1869 tomó los estudiantes en su estudio en: St. Galler Emil Rittmeyer y Traugott Schiess , Charles François Vuillermetde Lausana y Adolf Stabli de Winterthur.
1870 estalló una condición del ojo que se ve afectada cada vez más el poder creador de Koller. A la altura de sus habilidades artísticas le alcanzó en 1873 la misión de la Dirección de la suiza noreste de tren . Este miró a la adopción del industrial y pionero del ferrocarril Alfred Escher un regalo. Koller decididoGotthard , tuvo su efecto túnel Escher inició de manera significativa. carretera Gotthard, estudio de la naturaleza , la imagen de formato vertical, muestra una cruz a formatear la Passstrasse vacío El de dos caballos Gotthardpost finalmente trae un estudio detallado del carro (todavía no a toda velocidad), otro boceto acondicionado de la composición final. El Gotthardpost fue una combinación de los diseños y una extensión de la pantorrilla de pánico. El contraste de dos movimientos diferentes de la lentitud de las vacas y la velocidad del carro Koller anotó el efecto dramático deseado. El Gotthardpost cuelga hoy en el Kunsthaus de Zúrich. Koller pintó en 1874 para el banco Credit Suisse en Zurich una réplica de la misma.

Cartel de la exposición de 1898

Para septuagésimo cumpleaños de Koller una primera exposición de trabajo importante con más de 20.000 visitantes tomó en 1898 en Zurich. En el mismo año Koller fue el doctorado honorario de la Universidad de Zurich adjudicado. En 1900, él viajó por última vez a Italia, donde trabajó en San Domenico en Florencia de nuevo se reunió con su amigo Arnold Böcklin.
1.905 murieron Rudolf Koller en el Hornau . Su tumba está en el cementerio de Sihlfeld en Zurich, junto a Gottfried Keller. En el mismo año, la Kunsthaus de Zurich fue seleccionado obras de la finca de Rudolf Koller, incluyendo siete pinturas y sesenta y siete cuadernos de dibujos de todas las épocas del artista, así como muebles y accesorios desde el estudio en Zurich bocina. Las partes de su hacienda, como cartas, memorias y cuadernos están en el Departamento de Manuscritos Biblioteca Central de Zurich .
Estudio de Koller y residencia para Hornau fue cancelado en el Fröhlichstrasse 1 en 1938.