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Adolfo Arenas Alonso: Deliciosa decrepitud

Adolfo Arenas Alonso, (Sevilla, 1972). Artista español. Formado en La Escuela de Artes y Oficios de Sevilla, para después continuar su formación en La Facultad de Bellas Artes de la misma ciudad.

Hecho a si mismo, de paso firme y mente lúcida. Marcado a fuego en el espíritu aventurero y romántico de los tenaces. Potencial a punto de estallar, en un juego de avance  sin tiempo para frenar.

Decadencia, elegante banalidad, alardes de decrepitud y oscura lujuria recorren una obra reflejo de simbolismo. Salvaje estructura en una fórmula amarrada a luces y sombras,  tenebrismo sin defecto, atisbos fieles de genialidad en un claro recuerdo a Durero,Kubin o Dix sin una mínima intención por imitar. Music Hall, Broadway o las míticas coreografías de Bob Fosse con poses extremas, retorcidas e icónicas, se vislumbran en unos trabajos enriquecidos por su sabia cultura visual. Sello único en un universo propio, oculto y reconocible para los que lo saben apreciar. ByronShakespeareDickens o Goyaentremezclan sus esencias, resultado de tradición, evolución y traducción propia a un idioma personal. Sin excusas, frontal. Conceptual, técnico y envuelto en un aroma digno de siglos pasados. Su apetito voraz le concede a la creatividad un punto salvaje al alcance de minorías.

 

A continuación, os dejamos una pequeña muestra de algunos de sus trabajos.  Que los disfrutéis…

 
Amore_amore (Lápiz sobre papel).

 

Bambalina_La Dolce Donna (Lápiz sobre papel)

 

 
Beso (Lápiz sobre papel).

 

 
Domenico (Lápiz sobre papel).

 

 
El conquistador (Lápiz sobre papel).

 

 
Faith Credo (Lápiz sobre papel).

 

 
Habitación 206 (Lápiz sobre papel).

 

 
Sinenobilitate Stravaganzza (Lápiz sobre papel).

 

 
Tempus Fugit (Lápiz sobre papel).

Fuente

http://www.artepinturaygenios.com

El misterio de picasso (H.G. Clouzot.1956) VOSE

    


                                               



EL MISTERIO DE PICASSO

Título original

Le Mystère Picasso

Año

1956
Duración
75 min.
País
Francia
Director
H.G. Clouzot (AKA Henri Georges Clouzot)
Guión
H.G. Clouzot (AKA Henri Georges Clouzot) & Pablo Picasso
Música
Georges Auric
Fotografía
Claude Renoir
Reparto
Documentary, Pablo Picasso, H.G. Clouzot (AKA Henri Georges Clouzot), Claude Renoir
Productora
Filmsonor S.A.
Género
Documental | Pintura
Sinopsis
Esta película pone al alcance de los espectadores la posibilidad de contemplar la técnica y el modo de trabajar de Picasso, uno de los genios del siglo XX. Rodada en el estudio del pintor malagueño mediante novedosas técnicas cinematográficas, muestra pincelada a pincelada, el nacimiento de una obra de arte.
Premios
1956: Cannes: Premio Especial del Jurado



                         


La más perfecta combinación de pintura y el séptimo arte.

La amistad de Clouzot y Pablo Picasso coadyuba a la formación de tan brillante y simple proyecto.

Pocas veces vemos plasmado en el cine el funcionamiento del cerebro de un genio. Con trazos que parecen definitivos y que de un modo impredecible para nosotros los simples mortales, van cambiando a capricho de una de las mentes más prolíficas del siglo XX.




OBRA DE ARTE EN MOVIMIENTO

Henri-Georges Clouzot, cineasta francés que se desenvolvió con éxito y talento en el género de la intriga (sirvan de ejemplo Las diabólicas o El salario del miedo), sorprendió en 1956 a crítica y público con este delicado documental acerca del proceso creativo de Picasso. 

La película capta con maestría hipnótica la evolución de los trazos en el lienzo, líneas firmes que paulatinamente y al compás de la música van configurando dibujos, separados por cortillas unos de otros. Dos cuestiones lógicas son las que sobrevienen inmediatamente al espectador durante el visionado ¿Qué deparará el siguiente trazo? Y ¿Cómo logró Clouzot registrar este proceso sin que aparecieran las manos ejecutoras de Picasso en el plano? La progresión del dibujo en la pantalla resuelve el primer enigma, el segundo es más sencillo de lo que parece: Filmando a través de telas semitransparentes, se conseguía provocar el efecto de que el pintor estaba creando directamente sobre la pantalla de cine, cuando en realidad estaba justo detrás del lienzo enfocado.

Tras terminar el rodaje, Picasso destruyó casi todos los cuadros que había realizado. El film es, pues, una obra de arte en sí misma y la única oportunidad de contemplar unos lienzos que sólo existen sobre el negativo. 

“El misterio Picasso” fue declarado tesoro nacional por el gobierno francés en 1984.

LA FUSIÓN  DEL CINE Y LA PINTURA

Si entendemos el arte cómo un medio de expresión debemos pensar hasta dónde nos permiten expresarnos las características propias de cada formato. Si la pintura es la explicación de una escena muy concreta e inmóvil, el cine es sin duda la explicación de un desarrollo, y siendo éstas dos intenciones aparentemente contradictorias en “El misterio Picasso” se unen. Por eso, más allá del placer de ver trabajar al maestro, el verdadero interés de este filme es el de reconocer cómo se entrelazan el cine y la pintura para conseguir ver el trabajo de Picasso desde una perspectiva totalmente diferente.

Así pues, Clouzot consigue revelarnos un ejercicio deliciosamente descontrolado y espontáneo pero sobretodo un trabajo cambiante. Trazo a trazo se nos regala el secreto que se esconde tras las muchas capas que encierran las telas, he aquí el misterio, la pintura de Picasso está VIVA.


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LAS MENINAS. DIEGO DA SILVA VELÁZQUEZ

Sobre esta obra se han dicho los calificativos más elogiosos , Luca Giordano, pintor de Carlos II, la llamó “la teología de la pintura” por reunir de un solo golpe todas las virtudes posibles en el arte pictórico. Carl Justi dijo “no hay cuadro alguno que nos haga olvidar éste”. O Teophìle Gautier, que cuando se lo enseñaron, se quedó tan maravillado por la naturalidad y realismo de lo representado que exclamó : pero… ¿dónde está el cuadro?. Sencillamente, es una de las cumbres de la pintura universal, muy imitada posteriormente y admirada por todos. Velázquez la pintó en 1.656.


Detalle de la puerta del fondo donde se encuentra José Nieto, punto de fuga del cuadro.

LO QUE PUEDES VER

El tema del cuadro parece trivial, la infanta y sus damitas de compañía (meninas en portugués) irrumpen en el estudio de Velázquez, pintor de cámara del rey Felipe IV, que se encuentra pensativo y observa los modelos que se dispone a pintar. Nosotros podemos ser esos modelos ya que somos contemplados por Velázquez. Sin embargo, los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, a quienes vemos reflejados en el espejo del fondo, son las personas que el pintor retrata. Pero vayamos por partes, en primer término y de izquierda a derecha tenemos a María Agustina Sarmiento que está haciendo una reverencia y ofreciendo en una bandeja plateada un jarrito o búcaro rojo a la infanta Margarita de Austria que se encuentra en el centro de la composición y resulta ser una deliciosa y encantadora niña de seis añitos de edad. Margarita acepta con su mano el jarrito y nos observa con su candorosa mirada infantil. Un poco más a la derecha vemos a otra menina, Isabel de Velasco, que también muestra sus respetos mediante una suave reverencia. La siguiente es Maribárbola, enana macrocéfala de origen alemán, que también nos mira y, finalizando este plano, Nicolasillo Pertusato, que parece un niño pero también era un enano, bastante travieso por cierto, pues ya ves que le está dando una patada a un gran mastín tumbado en el suelo.


Infanta Margarita Teresa de Austria, personaje central de Las meninas.

Un poco más atrás, a la izquierda, está el pintor Velázquez sujetando un pincel en la mano derecha y la paleta con los demás pinceles en la izquierda. Se está inspirando para pintar a los reyes y se ha representado a sí mismo muy elegante y como de cuarenta años cuando ya rondaba los cincuenta y siete. Delante de él está la parte posterior del lienzo sobre un caballete. Ahora pasas a la zona derecha y, en un segundo plano, ves dos personajes: la dama Marcela Ulloa, “guarda menor de damas” y un caballero sin identificar que sería un sirviente de la corte y que tiene las manos juntas mientras escucha la conversación de la dama. Para marcar la distancia y el espacio, Velázquez los sitúa a ambos en penumbra y más abocetados que las meninas. Al fondo, una puerta de madera con cuarterones se abre a una estancia posterior muy iluminada y José Nieto, aposentador de la corte, está en las escaleras, no sabemos si viene o se va.


Detalle de Las meninas. Espejo del fondo donde están reflejados Felipe IV de España y Mariana de Austria.

Lleva un sombrero en la mano y viste una elegante capa negra. La luz es de tal intensidad que hace brillar la escalera, la puerta y la persona de José Nieto. Colgado en la pared ves un espejo que refleja la luz y donde el rey y la reina aparecen con un cortinaje rojo. No sabemos si están quietos posando para Velázquez o si entran en ese momento en la habitación. La estancia es amplia y de techo alto, sería el estudio del pintor y por eso hay grandes cuadros por las paredes (identificados en la actualidad). Existen ventanas en la pared derecha y están alternativamente abiertas y cerradas lo que nos acentúa la sensación de profundidad y de atmósfera real. El gran tamaño de las figuras, casi natural, subraya aún más su presencia en un espacio muy creíble.


Numeración de los personajes de Las meninas.

LA TÉCNICA

Técnicamente el cuadro es insuperable. El conjunto de perspectivas utilizadas es único y produce un efecto “atmosférico” en el ambiente representado, como si el pintor hubiese pintado el aire entre las figuras. Vamos a analizarlo: la primera perspectiva que observas es la lineal, diversas líneas imaginarias o no (línea del techo-pared; cuadros colgados, el suelo) guían nuestra vista hacia el fondo y nos hacen creer en una fuerte tridimensionalidad. Este asombroso efecto se refuerza con un suelo neutro, de moqueta, que avanza hacia nuestra posición y, sobre todo, con unos espacios alternativamente iluminados y en penumbra que subrayan el efecto de alejamiento.

El matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck(1483). Es una imagen reflejada en un espejo, como en la pintura de Las meninas y es muy posible que inspirara a Velázquez.88

Detalle del espejo de El Matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck. Van Eyck se muestra a sí mismo mediante el espejo. El espejo de Las meninas puede ser visto como una imagen que pretende representar la pareja real dentro del espacio pictórico.

La otra perspectiva es la aérea, la difuminación progresiva de los contornos y la degradación de las gamas tonales con el aumento de la distancia y el alejamiento. Como remate, Velázquez pone un agujero iluminado en el centro (la puerta abierta) que da a una estancia donde no vemos el fin, es decir, el cuadro tiene una perspectiva ilimitada. Esta combinación de perspectiva aérea y lineal es lo que ha fascinado a todos, expertos o no, desde el siglo XVII. La gama cromática empleada por Velázquez en esta obra es limitada y contenida, predominan los grises y los ocres, no obstante, aplica colores fuertes como el rojo fuego en pequeños detalles de la vestimenta de las niñas como lacitos, pasadores de pelo y adornos florales. De este modo rompe la monotonía de colores y atrae nuestra atención. La calidad de representación de las sedas brillantes con grises y blancos muy luminosos resultan de una belleza deslumbrante.


A la izquierda del cuadro, se encuentra el pintor delante de una gran tela; se considera que éste es el mejor autorretrato de Velázquez. Sobre su pecho se añadió posteriormente el emblema de la orden de Santiago.

LO QUE NO SE VE

Por otra parte, el espejo es la burla espacial por antonomasia, nos engaña y confunde, crea espacios ilusorios y, si te colocas de espaldas y miras el cuadro con un espejito, te llevarás una sorpresa por el efecto fuertemente realista que produce. Cuando contemplas el cuadro directamente, tu vista es dirigida hacia el fondo y el espejo te devuelve la imagen. Así se crea una interrelación tan estrecha entre lo pintado y lo real que resulta difícil distinguirlos. La aparente trivialidad del tema es también engañosa ya que Velázquez estuvo toda su vida reivindicando la superioridad de la pintura por encima de las actividades puramente artesanales entre las que estaba incluída; él consideraba la pintura como una actividad intelectual superior, cuyo momento importante no era el acto de pintar sino la idea, el concepto y el pensamiento previos al hecho mecánico de aplicar el óleo sobre el lienzo. En resúmen, la superioridad del artista sobre el artesano. Otro mensaje es el futuro prometedor de la monarquía española, con la sucesión asegurada. La última lectura de la obra sería la relación de profunda amistad del pintor con el rey y la infanta , todos ellos aparecen representados en el mismo cuadro.

María Agustina Sarmiento de Sotomayor, menina real, en Las meninas.

LO QUE PUEDES DESCUBRIR

Existen detalles que te proponemos observar para que comprendas la excepcionalidad de este cuadro único. Fíjate en el perro, tan real que sólo le falta ladrar, o en la carita delicadísima de la infanta, o en el cabello de Nicolasillo, brillante y recién lavado, o en la prestancia y apostura de Velázquez con su cuidado bigote, su peinada melena y su esbeltez anatómica. O bien en los cuadros de la estancia, identificados como Minerva y Aracne (Rubens) y Apolo y Pan (Jordaens) y que vuelven a incidir en el tema de la superioridad de lo intelectual sobre lo manual. Hay que señalar que la obsesión del pintor por demostrar la superioridad de la pintura sobre otras artes perseguía, entre otras cosas, la exención de impuestos. Interesante es también el espejo iluminado (de bronce muy bruñido) y las ventanas laterales, una abierta en primer término, las tres siguientes cerradas y la última abierta.


Esquema geométrico de composición de Las meninasAmarillo: ejes del centro de la imagen. Azul: eje del tercio de la imagen. Verde: Punto de fuga geométrico. Rojo: Punto de fuga de los Reyes.

Las meninas con la línea imaginaria correspondiente a la constelación Corona Borealis.

LA LEYENDA

Un cuadro así no podía pasar desapercibido para la imaginación popular y el hecho que dio pie para inventar una bonita leyenda lo provocó la cruz de Santiago que lleva pintada Velázquez sobre su vestimenta. Sabemos que fue nombrado caballero de la Orden de Santiago a título póstumo en 1.660. eso significa que alguien se la pintó después de muerto en Las Meninas. Sería, según la tradición el propio rey Felipe IV, que, agradecido por los numerosos servicios de Velázquez como aposentador real y, sobre todo, como pintor, realizaría la cruz con su regia mano.

                                                                        

El Bosco: El juicio de Viena

Hieronymus Bosch - pintor  flandes (parte 1)

Analisis de obra El Bosco: El juicio de Viena

Obra: Triptico del Juicio de Viena: El pecado original, el Juicio Final y el Infierno
Fecha: 1482 o posterior
Ubicación: Academia de Bellas Artes, de Viena.
Características: 163,7centímetros de alto por 242 cm. de ancho.
Estilo: Manierista
Material: Oleo sobre tabla

El Tríptico del Juicio Final” es una de las obras que realizó probablemente en una etapa intermedia de su carrera.. La escena a sus pies se desarrolla en el Valle de Josafat, tal y como narra el Antiguo Testamento, y con la ciudad terrena de Jerusalén en llamas al fondo. Como el resto de cuadros del Bosco, carece de una datación unánime entre los especialistas. Se observa una gama de verdes y marrones. En el panel central vemos el Juicio Final según la visión del Apocalipsis de san Juan.
La paleta, basada en marrones con contrastes de verdes, rojos y azules , se va oscureciendo hacía el fondo , iluminado por las llamas , que continúan en el infierno, representado en el postigo de la derecha , Hay una perfecta continuidad de tonos y escenas entre ambos compartimentos , ya que, en la visión del Bosco, ” el Infierno no es más que una extensión del Juicio Universal: el príncipe de las tinieblas, al cual rinden homenaje seguidores y acólitos, ocupa el proscenio , mientras que las ánimas humanas condenadas, a las que se muestra en su desnudez, son expuestas a los más increíbles tormentos y suplicios”. En este cuadro, el Bosco no pronuncia una homilía: en su concepción. Dios y su Hijo no encarnan el amor sino que son los ejecutores de una justicia severa.
Podríamos considerarlo como la tercera y última obra de una trilogía cuyo tema sería La Humanidad y el Pecado; las dos primeras partes de dicha trilogía serían, en orden cronológico y temático, el Jardín de las Delicias y el Carro de Heno; la secuencia se leería de la siguiente forma: Origen del Pecado en la Primigenia Edad Dorada, el Edén (… el Jardín de las Delicias), su constante presencia en el contexto humano y social de su época (Carro de Heno) y el desenlace con el exterminio del Pecado y el Premio prometido a los Virtuosos (El Juicio Final). Esta hipótesis se desmoronaría en parte si se confirman los últimos análisis dendrocronológicos que sitúan la fecha de ejecución del Carro de Heno en 1516, años más tarde, por tanto, al Juicio Final que nos ocupa, y no en 1502, como se había creído hasta ahora.
Al igual que ocurre en la Divina Comedia de Dante, los condenados, que en el Panel Central del tríptico cobran un protagonismo insólito en la época, sufren castigos que se corresponden con los pecados que cometieron. Así, la mujer lujuriosa, desnuda sobre una cama roja, es asediada por una extraña lagartija, un ser mitad orgánico mitad instrumento musical (la música era un equivalente de la lujuria en el acervo cultural medieval) y otros entes indescriptibles sobre el tejado del edificio de la izquierda; en la base de ese mismo edificio, el glotón está siendo obligado a ingerir el líquido que sale a chorro de un barril.
Tríptico del Juicio Final” una de las obras que realizó probablemente en una etapa intermedia de su carrera.. La escena a sus pies se desarrolla en el Valle de Josafat, tal y como narra el Antiguo Testamento, y con la ciudad terrena de Jerusalén en llamas al fondo.

TRIPTICO CERRADO

el bosco

El Bosco: El juicio de Viena

Manierismo

Cuando el tríptico está cerrado, se ven las figuras de dos santos: a la izquierda, Santiago el Mayor, con 167,7 centímetros de alto por 60 cm. de ancho; a la derecha, Can Bavón.
Están pintados con grisalla sobre tabla. Abajo hay dos escudos vacíos. Las figuras están ejecutadas con firmeza, ajena a la vibrante pincelada de las grisallas del Bosco, por lo que se cree que las ejecutó un copista sobre dibujo del pintor.
Santiago está representado como un peregrino o caminante por un mundo lleno de maldad.
En el panel exterior derecho del tríptico esta representado San Bavón, famoso por sus obras de misericordia: es por ello que se le representa rodeado de seres marginales, mendigos y tullidos, de quienes se considera protector.

TRIPTICO ABIERTO

Cuando se abre el tríptico se ve, de izquierda a derecha: el pecado original, el Juicio Final y el Infierno. Las escenas interiores están realizadas al óleo sobre tabla. Los paneles izquierdo y derecho miden 167.7 x 60 cm mientras que el panel central mide 164 x 127 cm.

Postigo izquierdo: El Pecado original

analisis de obra

A diferencia del postigo izquierdo del Jardín de las Delicias, en el que aparece Adán despierto, con Dios presentándole a Eva, aquí se le ve dormido, con la creación de Eva que se desprende de su costado y, en un segundo plano, la tentación, con Eva cogiendo el fruto que le tiende el demonio. Detrás se observa la expulsión del Paraíso con un ángel que lleva una espada. Predominan los tonos verdosos en el paisaje, formado por pocos árboles, matojos y algunas rocas. En lo alto, se ve a Dios creador.

Tabla central: El Juicio Final

EL TRIPTICO DE VIENA

La fuente para esta representación del Juicio Final es el Apocalipsis de Juan. En la parte central, en lo alto, casi separado del resto de la composición, aparece Jesucristo juez, que está apoyado sobre un arcoíris mientras a los lados, sobre nubes, están la Virgen María y san Juan Bautista con un exiguo número de elegidos; en el resto de la composición se ha representado el mundo del pecado y las penas impuestas a los pecadores, cada uno de ellos torturado por diablos-grillos y figuras monstruosas, debido a sus propios vicios: abrasados, asados, ensartados, empalados, colgados de ganchos de carniceros, obligados a beber, insertados en extrañas máquinas, etc.
A diferencia de otras representaciones del Juicio Final, en que justos y pecadores están más igualados, aquí predomina el número de los condenados, que sufren diversos castigos, sin dejar casi espacio para los bienaventurados.
Predominan los tonos marronáceos, cada vez más oscuros conforme se acercan al horizonte, donde se ven construcciones en llamas. Sólo en lo alto hay un intenso azul.

Postigo derecho: El Infierno

Analisis de obra El Bosco: El juicio de Viena

Se repiten aquí los incendios de estructuras, tan típicos de la obra del Bosco,. Son edificios incendiados en los que se ve que el fuego viene desde abajo, como inspirándose en las entonces modernas armas de pólvora o explosiones, con lo que los infiernos que pinta el Bosco acaban pareciendo lugares de confrontación militar.
Este postigo presenta perfecta continuidad con el panel central, tanto en cromatismo como en contenido.

EL BOSCO

Pese a ser casi coetáneo de Jan Van Eyck, sus figuraciones y técnicas son notablemente diferentes. Técnicamente pintaba alla prima, es decir, con la primera pincelada de óleo, sin demasiados retoques ni pinceladas. Sin embargo, el análisis de cada una de sus obras demuestra que hacía un concienzudo y detallado proyecto antes de la ejecución; innova, asimismo, en la gama de colores, con tonalidades más contrastadas y atrevidas.
En cuanto a la figuración, El Bosco se destaca por representar a personajes santos como sujetos comunes y vulnerables. Es tan patética la vulnerabilidad de los personajes santos representados que les hace queridos por empatía. Prácticamente todos los personajes que representa tienen algo de caricatura.
Lo que quizás primero llama la atención de todo aquel que observa una obra de ‘El Bosco’ es su “surrealismo”. En sus obras abunda el sarcasmo, lo grotesco y una imaginería onírica. Una de las explicaciones para esto es que ‘El Bosco’ aún se encuentra imbuido por la cosmovisión medieval repleta de la creencia en hechiceras, la alquimia, la magia, ect. Además, en el 1500 abundaron los rumores apocalípticos. Esto influye para que ‘El Bosco’ intente desde sus pinturas dar un mensaje moralista, un moralismo, satírico; nos anticipa al humanismo de la Edad Moderna.
Tanto en las pinturas de asunto religioso como en las de tema profano introdujo todo un mundo de seres, mitad normales, mitad monstruosos, presentados en actitudes expresivas. La complejidad de los símbolos que utiliza dificulta a menudo la comprensión cabal de sus obras. Es un minucioso observador de la realidad, con gran talento de dibujante, y su irrealismo se emparenta en último término con el espíritu sarcástico ridiculizador de los vicios.
Se conocen dibujos del Bosco, en los que se da la misma vivacidad de anotación que muestran sus pinturas y dejan traslucir aún más su agudo sentido de la observación de la naturaleza.
Ha influido en pintores casi contemporáneos suyos, tales como Pieter Brueghel el Viejo, y Pieter Huys. En el siglo XX es notorio su influjo en expresionistas como James Ensor, o surrealistas como Max Ernst y Dalí.
En pintura uno de sus grandes seguidores será Peter Bruegel el Viejo, aunque no llega al mismo nivel de genialidad de El Bosco.
Su técnica era maestra, siendo un gran dibujante, así como maestra era el uso que hacía del color, con gran gusto por los tonos pastel. Fue gran pintor de paisajes con los que estudia el espacio, gran retratista siendo pionero en Flandes del retrato psicológico y maestro en la composición. Gusta de representar lo monstruoso, teniendo gran imaginación a la hora de realizar figuras simbióticas entre hombre y animal, siempre al servicio de un mensaje moralista. Su obra la realiza al óleo sobre tabla, aunque a veces usa también la témpera, de las que nos han llegado gran cantidad de bocetos previos.

                                                                       

Capilla Sixtina

La Capilla Sixtina es la capilla más famosa del Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano, la residencia oficial del Papa. Se encuentra a la derecha de la Basílica de San Pedro y originalmente servía como capilla de la fortaleza vaticana. Conocida originalmente como Cappella Magna, toma su nombre del papa Sixto IV, quien ordenó su restauración entre 1473 y 1481. Desde entonces la capilla ha servido para celebrar diversos actos y ceremonias papales. Actualmente es la sede del cónclave, la reunión en la que los cardenales electores del Colegio Cardenalicio eligen a un nuevo Papa. La fama de la Capilla Sixtina se debe principalmente a su decoración al fresco, y especialmente a la bóveda y El Juicio Final, obras de Miguel Ángel.
Durante el pontificado de Sixto IV, un grupo de pintores renacentistas que incluía a Sandro BotticelliPietro PeruginoPinturicchioDomenico GhirlandaioCosimo Rosselli y Luca Signorelli realizó dos series de paneles al fresco sobre la vida de Moisés (a la izquierda del altar, mirando hacia El Juicio Final) y la de Jesucristo (a la derecha del altar), acompañadas por retratos de los Papas que habían gobernado la Iglesia hasta entonces en la zona superior y por cortinas pintadas con trampantojo en la zona inferior. Las pinturas fueron concluidas en 1482, y el 15 de agosto de 1483, con motivo de la festividad de la Asunción, Sixto IV celebró la primera misa en la capilla y la consagró a la Virgen María.1 2
Entre 1508 y 1512, por encargo del papa Julio II, Miguel Ángel decoró la bóveda, creando una obra de arte sin precedentes que cambiaría el curso del arte occidental.3 4 Años después, tras el Saco de Roma, pintó también El Juicio Final en la pared del altar entre 1536 y 1541, para los papas Clemente VII y Pablo III.5 Más de 500 años después, los frescos de Miguel Ángel siguen atrayendo a multitudes de visitantes a la capilla.
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EL VATICANO

Evelyn De Morgan

Evelyn De Morgan - Boreas y Fallen Leaves

Evelyn De Morgan (agosto 30, 1855 a mayo 2, 1919) fue un pintor Inglés, cuyas obras fueron influenciados por el estilo del Pre-Raphaelite movimiento. [1] Ella era un seguidor de Pre-Raphaelist Burne-Jones . [2] Sus pinturas exhibir la espiritualidad; uso de temas mitológicos, bíblicos y literarios; el papel de la mujer; la luz y la oscuridad como metáforas; vida y muerte; y alegorías de la guerra.
Evelyn De Morgan - El sueño y la muerte a los Hijos de la Noche

Ella nació Mary Evelyn Pickering. [1] a los padres de clase media alta Percival Pickering QC, la grabadora de Pontefract , y Anna Maria Wilhelmina Spencer Stanhope , la hermana del artista John Roddam Spencer Stanhope y descendiente de Coke de Norfolk que era un conde de Leicester .. [4]
Evelyn fue educado en casa y empezó a dibujar lecciones cuando tenía 15. En la mañana de su decimoséptimo cumpleaños, Evelyn registró en su diario, “El arte es eterno, pero la vida es corta …” “Voy a compensar por ello ahora, tengo ni un momento que perder “. Ella llegó a convencer a sus padres que la deje ir a la escuela de arte. Al principio se desaniman, pero en 1873 se inscribió en la Slade School of Art . Se le concedió una beca en Slade que su derecho a tres años de asistencia financiera. Sin embargo, como la beca requiere que dibujar desnudos utilizando carbón vegetal y que no le importaba para esta técnica, que finalmente declinó. [5]
Evelyn De Morgan - A Soul in Hell
También fue discípulo de su tío John Roddam Spencer Stanhope, que fue una gran influencia en su obra. A partir de 1875, Evelyn menudo lo visitó en Florencia donde vivía. Esto también le permitió estudiar los grandes artistas del Renacimiento; ella era especialmente aficionado a las obras de Botticelli . [6] Esto le influyó a alejarse de los temas clásicos favorecidos por la escuela Slade y hacer su propio estilo. Ella exhibió por primera vez en 1877 en la Galería Grosvenor en Londres y continuó mostrando sus pinturas a partir de entonces. [7]
 
          Evelyn De Morgan - Demeter Mourning for Persephone
En 1887, se casó con el ceramista William De Morgan . Pasaron sus vidas juntos en Londres. [4] De Morgan, un pacifista, expresó su horror ante la Primera Guerra Mundial y la Guerra de África del Sur en más de quince pinturas de guerra, incluyendo la Cruz Roja [1] y SOS [8]
 
Evelyn De Morgan - The Garden of Opportunity
 
 En relación con actividades artísticas , el dinero no era importante para los De Morgans; los beneficios de las ventas de pinturas de Evelyn fueron hacia la financiación empresarial de la cerámica de William y ella contribuyeron activamente ideas para sus diseños de cerámica. [1] Dos años después de su muerte en 1917, murió el 2 de mayo de 1919 en Londres y fue enterrado en el cementerio de Brookwood , cerca Woking, Surrey
 
     
         Evelyn De Morgan - Daughters of the Mist
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - The Cadence of Autumn
                                                                                     Evelyn De Morgan
                                            Evelyn De Morgan - Helen of Troy
 
                                                                                           Evelyn De Morgan 
                                            Evelyn De Morgan - Cassandra
                                                                                      Evelyn De Morgan
                              Evelyn De Morgan - S.O.S.
                                                                                                Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - Death of the Dragon
                                                                                         Evelyn De Morgan
                             Evelyn De Morgan - Mercury
                                                                                             Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - The Passing of the Soul at Death
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - Blindness and Cupidity Chasing Joy from the City
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - Evening Star Over the Sea
                                                                                         Evelyn De Morgan
                Evelyn De Morgan - Luna
                                                                                              Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - Ariadne in Naxos
                                                                                            Evelyn De Morgan
                    Evelyn De Morgan - The Angel of Death
                                                                                     Evelyn De Morgan
                                            Evelyn De Morgan - Flora
                                                                                        Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - Love
Evelyn De Morgan
          Evelyn De Morgan - Queen Eleanor and Fair Rosamund
                                                                             Evelyn De Morgan
                          Evelyn De Morgan - The Red Cross
                                                                                      Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - Earthbound
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - The Storm Spirits
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - The Worship of Mammon
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - Lux in Tenebris
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - The Love Potion
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - The Light Shineth in Darkness and the Darkness Comprehendeth It Not
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - Our Lady of Peace
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - Phosphorus and Hesperus
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - The Sea Maidens
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - The Little Sea Maid
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - Moonbeams Dipping into the Sea
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - Boreas and Oreithyia
Evelyn De Morgan
Evelyn De Morgan - The Dryad
Evelyn De Morgan

Frederick Childe Hassam

 
                                              Childe Hassam 1903.png
                                                              Childe Hassam
Frederick Childe Hassam (1859-1935) fue un pintor impresionista estadounidense. En 1886 viajó a París para estudiar arte en la Académie Julian (1886-1889). Tuvo como maestros a Gustave Boulanger y Jules Joseph Lefebvre. Hassam regresó a Estados Unidos en 1889, residiendo en Nueva York.
Childe Hassam - Palace of Fine Arts
Nació en octubre de 1859 en el barrio de Dorchester, Boston. El impresionismo francés y el arte de Claude Monet tuvieron una fuerte influencia en Hassam. Formó parte del Ten American Painters, una asociación de pintores norteamericanos impresionistas.1 En su regreso a Nueva York, Hassam pintó edificios de la ciudad en un estilo impresionista francés. Murió el 27 de agosto de 1935 en Easthampton, Nueva York.
Childe Hassam - Spring in Central Park
Entre sus obras más conocidas está la Flag series, treinta cuadros que comenzó a pintar en 1916 cuando se inspiró en el desfile de los voluntarios para la preparación de los Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial en la Quinta Avenida.2 Fue realizada al final de su vida. La más famosa pintura de la serie, The Avenue in the Rain (1917) representando banderas de Estados Unidos y sus reflejos en la lluvia es parte de la colección de la Casa Blanca y Barack Obama la situó en la Oficina Oval al comienzo de su presidencia.
Childe Hassam - The Bartlett Gardens
Otras obras sobresalientes de Hassam son Rain Storm, Union Square (1890), The South Ledges, Appledore (1913) o Allies Day, May 1917 (1917).
Childe Hassam - The Mill Dam Cos Cob
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Dune Pool
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Canal Scene
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Cliff Rock Appledore
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Under the Alders
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Moonlight
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Bridge at Posilippo at Naples
  Frederick Childe Hassam               Childe Hassam - Summer Sunlight
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Quai du Louvre
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Pear Blossoms
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Spring Morning at Montmartre
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - A Walk in the Park
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - A Rainy Day in Boston
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam  - Sunset
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Rain Storm Union Square
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Place Centrale and Fort Cabanas - Havana
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - Notre Dame Cathedral - Paris
Frederick Childe Hassam
Childe Hassam - A Rainy Day in Boston

Greg Olsen

 
Greg Olsen (nacido en 1958 en Idaho) es un prolífico artista de finales del 20 y principios del siglo 21, famoso por sus pinturas, “¡Jerusalén”, “El Espíritu de Navidad” y “mundos sin fin”. Muchas empresas importantes tienen su trabajo, incluyendo el Pentágono .Mientras que su cartera es muy diversa (occidental, Niñez, Navidad, americanas y paisajes), que es el más famoso por sus pinturas de Jesucristo .
 
Olsen nació en Idaho Falls, Idaho para Gordon Olsen y Janel Corporales Olsen. Se crió en la comunidad agrícola cercana de Iona , Idaho . Él es el mayor de cinco hermanos. Greg comenzó a mostrar un interés en arte cuando él estaba en el cuarto grado. Pidió un conjunto de arte John Nagey para la Navidad, que venía con instrucciones detalladas acerca de los valores, sombreado, perspectiva, etc. También vino con un suministro abundante de papel y diferentes tonos de lápiz negro, gris y blanco, junto con lápices de colores.
 En el momento en que llegó a la escuela de alta Jr. Greg comenzó a tomar muy en serio el arte, y cuando entró Bonneville High School secundaria que fue la suerte de tener un muy buen profesor de arte (Bob Whitney), que tal vez, contribuyó más a la educación artística de Greg y el deseo para que sea el trabajo de su vida que cualquier otra persona.
Estudió en la Universidad del Estado de Utah , donde conoció y se casó con Sydnie Cazier. Tienen seis hijos
 Greg Olsen
 Greg Olsen
 Greg Olsen
 Greg Olsen
 Greg Olsen
 Greg Olsen
 Greg Olsen

El enigma del taller de Leonardo

                              Leonardo da Vinci - Portrait of a Bearded Man
Una impresionante variedad de obras de arte y trabajos de Leonardo Da Vinci. Da Vinci [1452-1519] fue un hombre de innumerables talentos: un pintor, escultor, arquitecto, músico, matemático, ingeniero, inventor, anatomista, geólogo, cartógrafo, botánico y escritor. Su genio, tal vez más que la de cualquier otra figura, personificó el ideal humanista del Renacimiento.Leonardo Da Vinci - Mesa Botánico
                                                                             Mesa Botánico

Leonardo Da Vinci - Estudios de la iluminación de la Luna

                                                    Estudios de la iluminación de la Luna

Leonardo Da Vinci - Estudio para un guerrero
                                               Estudio para la cabeza de un guerrero

Leonardo Da Vinci - Aristóteles y Phyllis
                                                                   Aristóteles y Phyllis


          Leonardo Da Vinci - Estudio Figural para la adoración de los Reyes Magos
                                                         Figural Study for the Adoration 

                           Leonardo Da Vinci - The Virgin of the Rocks
                                                           La Virgen de las rocas

Leonardo Da Vinci - Estudio de una cabeza masculina

                                                   Estudio de una cabeza masculina

Leonardo da Vinci - Estudio de perspectiva para el fondo de la Adoración de los Reyes Magos

                                Estudio de perspectiva para el fondo de la Adoración de los Reyes

Leonardo da Vinci - Arno Paisaje
                                                                  Arno Paisaje

Leonardo Da Vinci - estudio geométrico de la transformación de rectilínea para superficies curvas y viceversa de Atlan
                         studio geométrico de la transformación de la rectilínea para superficies c

Leonardo Da Vinci - problema de Delos o duplicar equivalencia cubo entre varias partes del círculo de Atlantic Codex
                            elian problem or doubling cube equivalence among various parts of c

Leonardo Da Vinci - Estudio de dos morteros para lanzar bombas explosivas del Códice Atlántico
                             Study of two mortars for throwing explosive bombs from Atlantic Codex

                     Leonardo da Vinci - Columbine
                                                                            Columbine

      Leonardo da Vinci - Madonna of the Rocks
                                                              Madonna of the Rocks

Leonardo Da Vinci - Ginevra de Benci

                                                               Ginevra de Benci

                                          Leonardo Da Vinci - Head of the Savior
                                                           ead of the Saavior

Leonardo da Vinci - Madonna of the Rocks
                                                                Madonna of the Rocks

Leonardo Da Vinci - Mona Lisa    detail
                                                                          Mona Lisa detail

             Leonardo Da Vinci - Mona Lisa
                                                                           Mona Lisa

               Leonardo da Vinci - The Baptism of Christ by John the Baptist
                                                The Baptism of Christ by John the Ba

                    Leonardo da Vinci - Saint John the Baptist
                                                                 Saint John the Baptist

                                Leonardo Da Vinci - Virgin and Child with Saint Anne
                                                      Virgin and Child with Saint A

Leonardo da Vinci - The Last Supper
                                                                    The Last Supper

                         Leonardo Da Vinci  - Leda and swan
                                                                        Leda and swan

                           Leonardo Da Vinci - The Virgin and Child with Saint Anne and the Infant Saint John the Baptist
                                                        The Virgin and Child with Saint 

                       Leonardo Da Vinci - Detail of the Head of the Virgin
                                                          Detail of the Head of the Virgin

                    Leonardo Da Vinci - Detail of the Angel from The Virgin of the Rocks
                                                       Detail of the Angel from The Virgin 

                           Leonardo da Vinci - The Proportions of the human figure
                                                          The Proportions of the human figure

Leonardo Da Vinci - Design for a Giant Crossbow
                                                          Design for a Giant Crossbow

Leonardo Da Vinci - Machines to lift water draw water from well and bring it into houses from Atlantic Codex

                                Machines to lift water draw water from well and bring it into houses 


                       Leonardo da Vinci - Study for an Apostle from The Last Supper
                                                     Study for an Apostle from The


                          El enigma del taller de Leonardo



  • El hallazgo de la gemela de la ‘Gioconda’ lleva a preguntarse sobre Da Vinci
  • Su taller funcionaba como ‘fábrica’ de obras de arte por encargo
  • Era habitual que los alumnos pintaran réplicas en paralelo al maestro
  • El estudio lo componían jóvenes que solían mantener relaciones con Leonardo
  • En el taller podían hallarse artilugios, planos, hornos, así como restos humanos
El hallazgo entre los fondos del Museo del Prado de una ‘gemela’ de la ‘Gioconda’, una réplica de la obra pintada por un discípulo de Leonardo Da Vinci mientras éste ejecutaba la obra original, lleva a preguntarse si no habrá otros tesoros salidos del taller del genio renacentista. Su funcionamiento sigue rodeado de misterio, como tantos otros aspectos de su biografía.
Parece claro que tras formarse durante casi una década en el estudio de Verrocchio, Da Vinci decidió establecerse por su cuenta en 1477, y puso en marcha su propio taller en Florencia. Se trataba de una ‘bottega’ que producía obras por encargo bajo la influencia y directrices del maestro, y que alternó ‘sede’ en Florencia y Milán.
Según explica el historiador británico Charles Nicholl en ‘Leonardo, el vuelo de la mente’, algunas de las obras eran pintadas casi en exclusiva por Leonardo; otras eran ejecutadas por ayudantes que trabajaban bajo su supervisión, con intervenciones y correcciones ocasionales del maestro. De hecho, algunos de los contratos firmados establecían una distinción económica: una obra del maestro se pagaba más cara que una de sus discípulos. A menor intervención de Da Vinci, menor precio.
Los estudios también concluyen que era habitual que los ayudantes trabajaran a partir de una plantilla original del maestro, en pintura o cartón. En otras ocasiones, creaban con mayor libertad, pero siempre dentro del estilo que identificaba la ‘marca’ de fábrica del taller de Leonardo.
Como en el caso de la recién hallada réplica de la ‘Gioconda’, era frecuente el uso de una obra del maestro para copias posteriores (o simultáneas) de los alumnos, y en algunas ocasiones sólo han han llegado a nosotros las réplicas. Sucedía a menudo que Leonardo comenzaba una obra, que después terminaban sus discípulos. Otras veces, se reaprovechaban lienzos, o se añadían elementos de trabajo colectivo.

Leonardo y sus pupilos

En cuanto a los aprendices, se trataba de jóvenes, muchas veces de origen humilde, que entraban en el taller como ayudantes; a veces prácticamente eran adoptados por el maestro. Existía otra categoría -más alta- dentro de los pupilos, constituida por pintores ya formados que trabajaban en el taller como asociados de Leonardo.
Da Vinci era muy estricto con las normas del estudio, como la queprohibía utilizar lápices o colores a sus alumnos antes de los 20 años. Así, los menores de esa edad sólo podían trabajar con un estilete de plomo. Las que no están tan claras eran las normas que regían la conducta y relaciones dentro del taller. Algunos historiadores han tildado a los aprendices, a los ‘Leonardeschi’, de ‘panda de adolescentes’ alrededor de Leonardo. Parece claro que el maestro mantuvo relaciones afectivas con varios de sus alumnos, como Zoroastro, al que Da Vinci se refería como ‘Maestro Tommaso’, y que compartía con Leonardo su afición por la ingeniería, la alquimia y el vegetarianismo.
Aunque nadie sabe realmente cómo era el taller de Leonardo, además del espacio dedicado a la pintura, cuentan las cartas de la época que él se trabajaba con fuelles y plomo derretido para hacer figuras, así como con pasta seca para fabricar gemas. Un horno de ladrillo se utilizaba para destilar y separar elementos, y podían encontrarse elementos tan dispares como una serpiente en ámbar o dientes de hombres ahorcados.

Autopsias y estudios de anatomía

Los restos de cadáveres no eran algo ajeno al taller de Leonardo. Éste asistía con frecuencia a autopsias, que dibujaba profusamente. Tambiéndiseccionaba cadáveres de delincuentes, que compraba en hospitales y morgues, para observar la forma en que se doblan y estiran los músculos y articulaciones humanas. Asimismo, concluyó, tras analizar cerebros húmanos, que éstos forman parte del sistema nervioso. No era raro tampoco encontrar vísceras de cerdo en el estudio, que ayudaban al artista a recrear con todo detalle venas, arterias, ventrículos…
Por otra parte, parece claro que los discípulos realizaban sus propiasmezclas de pigmentos, en general procedentes de minerales, huevo, aceite y otros ingredientes para obtener la pintura. Era habitual que dedicaran horas a la mezcla antes de afrontar el cuadro, pues existía la convicción de que, cuanto más rica fuera la mezcla, mejor sería la pintura. Los pinceles también eran obra de los propios artistas, que empleaban piel de ardilla y plumas de ganso.

Leonardo contaba en su taller con una cámara oscura, que utilizaba para sus experimentos de una rudimentaria fotografía. Valiéndose de lentes y velas, realizaba sus estudios. Apartado especial era el ocupado por losartilugios diseñados por el maestro, muchos de ellos pensados para cumplir con la idea de Leonardo de que el hombre está destinado a volar. El artista observaba durante horas el vuelo de pájaros y murciélagos, que plasmaba en dibujos que posteriormente daban lugar a planos y bocetos de extraños máquinas, basadas, como el resto de la obra de Leonardo, en la naturaleza.

Fuente

http://www.elmundo.es


Raffaello Sanzio

                                          Selfportrait of Raffaelo, Uffizi Florence.jpg
                                        Autorretrato de Rafael, Galería de los Uffizi,Florencia.
Raffaello Sanzio (Urbino6 de abril de 1483 – Roma7 de abril de 15201 ), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael1 n. 1 fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.
El incendio del Borgo, 1514, Estancia del incendio del Borgo, pintada por el taller de Rafael a partir de un diseño del artista.
Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbre.4 5 Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico.6 Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.
                                  El Parnaso, 1511, Estancia de la Signatura.
Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años.n. 2 Fue un artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller conformado por numerosos colaboradores,8 y, a pesar de su muerte prematura, dejó una extensa obra que en gran parte aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, ya que decoró con frescos las habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, que quedó sin terminar a causa de su muerte y fue completado por ayudantes.
                             La Galatea, una de sus principales obras mitológicas.
Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de su obra, a pesar de haber sido diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una considerable pérdida de calidad. Ejerció gran influencia en su época; aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después de su muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael, fueron consideradas de nuevo como un modelo superior.
Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia (15041508), donde absorbió lastradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.
Retrato de Andrea Navagero y Agostino Beazzano o Retrato Doble, obra hecha por Rafael Sanzio durante su periodo romano. El retrato parece haber sido hecho en abril de 1516 estando los dos humanistas retratados en Roma, poco antes de que Andrea Navagero regresara a Venecia con motivo de su nombramiento como bibliotecario de la República Serenísima. La magna obra del italiano está hecha al óleo sobre lienzo. Mide 76 cm de alto y 107 de ancho y se conserva actualmente en la Galería Doria Pamphili de Roma
Nació en Urbino —una pequeña ciudad de la Italia central—, en la región de Marcas, localidad pequeña, pero importante desde el punto de vista artístico,10 donde su padre Giovanni Santi era pintor de la corte del duque. En la pequeña corte de Urbino, Giovanni fue integrado en el círculo íntimo de la familia en un grado superior al que era habitual en otras cortes italianas, bajo un gobierno con importante centro de cultura literaria y artística.
      
                                            La Fornarina, amante de Rafael.n. 13 80
Crecer en el seno de esta pequeña corte le dio a Rafael la oportunidad de aprender las maneras pulidas y las habilidades sociales tan alabadas en él por Vasari.12 La vida cortesana de Urbino en esta época sería poco después considerada por Baldassare Castiglione, (en su obra El Cortesano13 en 1528), como modelo de virtudes de una corte humanista italiana. Castiglione se instaló en Urbino en el año 1504, cuando Rafael ya no residía en ella; sin embargo, la visitaba muy a menudo, lo que dio como resultado una extensa amistad. Otros visitantes habituales de la corte también se convirtieron en sus amigos: Pietro Bibbiena y Pietro Bembo, nombrados ambos cardenalesmás tarde, eran conocidos entonces como buenos escritores y vivieron en Roma al mismo tiempo que Rafael.
                                        Liberación de San Pedro, 1514, Estancia de Heliodoro.
Los desposorios de la Virgen de Rafael Sanzio. En esta obra, se puede apreciar la influencia de Perugino en la manera de pintar del joven.
Se movió con comodidad en las altas esferas sociales durante toda su vida, lo que ha sido uno de los factores que han contribuido a dar una falsa impresión de una carrera artística fácil. Sin embargo, no recibió una completa educación humanística, por lo tanto no se sabe con claridad si leía fácilmente en latín.    Seguir leyendo…….